Negli spazi della Fondazione Riccardo Catella, il format di AD Education torna con “NIMI” per mettere in dialogo giovani designer, aziende e nuove tecnologie

Alla Milano Design Week 2026, tra installazioni e appuntamenti diffusi in tutta la città, il Bravery Bar si distingue come uno spazio di riflessione attiva. Dal 20 al 26 aprile, nel quartiere Isola, il format torna per la sua quinta edizione con “NIMI – La Nuova Intelligenza del Made in Italy”, trasformando gli spazi della Fondazione Riccardo Catella in un hub aperto a studenti, professionisti e imprese.

Più che un evento del Fuorisalone, il Bravery Bar si configura come un laboratorio condiviso, dove il design viene messo alla prova in tempo reale. Un luogo in cui osservare da vicino come stanno cambiando i processi creativi e il ruolo della formazione nel costruire nuove connessioni tra industria e cultura.

La sfida dell’intelligenza nel Made in Italy

Al centro del progetto c’è una domanda chiave: quale intelligenza serve oggi al Made in Italy per evolversi senza perdere la propria identità? In un contesto in cui l’intelligenza artificiale entra sempre più nei processi progettuali, il Bravery Bar propone una visione integrata che tiene insieme dimensione artigianale, relazionale e tecnologica.

Il progetto NIMI nasce proprio con l’obiettivo di costruire un dialogo tra queste componenti, immaginando un ecosistema in cui tradizione e innovazione non siano in contrapposizione, ma parte di un unico processo creativo.

Giovani designer e aziende a confronto

Durante la settimana, lo spazio si trasforma in un cantiere creativo continuo. Centinaia di studenti e giovani designer lavorano a stretto contatto con aziende protagoniste del Made in Italy come Abet Laminati, Alcantara, Clementoni e Stellantis.

I workshop diventano così occasioni concrete per sviluppare progetti legati a sostenibilità, economia circolare e nuove esperienze di prodotto. Non solo teoria, quindi, ma sperimentazione diretta e produzione di idee capaci di dialogare con le esigenze reali del mercato.

Arte immersiva e contaminazioni visive

Ad aprire il programma, il 20 aprile, è la presentazione ufficiale seguita dal vernissage della mostra immersiva firmata dal collettivo Truly Design. Le installazioni trasformano gli spazi della Fondazione in una galleria esperienziale, tra illusioni ottiche, sculture e opere site specific.

Un intervento che contribuisce a definire l’identità del Bravery Bar, dove arte e design si intrecciano continuamente, generando nuove modalità di fruizione e interpretazione dello spazio.

Un Made in Italy in trasformazione

Accanto al programma principale, la mostra “Makin’ Italy”, curata da Lucrezia Nardi, racconta un Made in Italy dinamico e in evoluzione. Un sistema aperto, fatto di contaminazioni e pratiche multidisciplinari, che supera l’idea di tradizione come elemento statico.

In una Design Week sempre più affollata, il Bravery Bar si distingue per la sua capacità di rendere visibile il processo creativo, prima ancora del risultato finale. È qui, tra formazione, industria e sperimentazione, che si intravede una possibile traiettoria per il futuro del design italiano: più collaborativa, più consapevole e profondamente connessa alle trasformazioni del presente.

Al ChorusLife tre giorni di dialoghi, mostre e testimonianze per raccontare la forza del Bene che resiste

“Ciò che inferno non è”. È da questa immagine di Italo Calvino che ha preso forma la 18ª edizione di BergamoIncontra, il festival che da quasi vent’anni invita la città a riflettere sui grandi nodi dell’esperienza umana. Non un tema letterario, ma una domanda concreta: come riconoscere ciò che, dentro le contraddizioni del mondo, resta vivo, buono, capace di generare speranza?

Per tre giorni, negli spazi del ChorusLife di Bergamo, studiosi, testimoni, artisti e religiosi si sono confrontati su questa soglia tra buio e luce, male e bene, disperazione e rinascita.

Il Bene come realtà concreta

Sin dall’incontro inaugurale, il messaggio è stato chiaro: il Bene non è un’idea astratta, ma una forza concreta che attraversa la realtà.
Nelle parole di Michela Milesi, presidente dell’Associazione BergamoIncontra, “anche nei luoghi più oscuri c’è qualcosa che resiste, che continua a generare vita”.

Il medico e docente Giancarlo Cesana ha rilanciato questa prospettiva, ricordando che la speranza è una strada, non un sentimento: “Ciò che inferno non è, è l’indicazione per dove devi andare”. La stessa direzione è stata seguita dall’attore Giacomo Poretti, che con Gabriele Allevi ha dialogato sul ruolo della bellezza come segno del divino: non fuga, ma presenza che svela senso anche nella fatica di vivere.

Politica, educazione, fragilità: il Bene come responsabilità

La giornata di sabato ha intrecciato temi civili e personali, mettendo al centro la responsabilità e la cura.

Nel dialogo L’impegno cristiano in politica, Elena Bonetti, Mons. Massimo Camisasca e Valentina Castaldini hanno discusso di come la fede possa farsi azione pubblica, riscoprendo il valore del dono e del dialogo. La sindaca Elena Carnevali ha aggiunto una nota di realismo: anche la vita amministrativa conosce i suoi “inferni”, ma la possibilità del Bene passa dal non cedere al cinismo.

L’umanità del dolore è stata invece al centro di L’amore che abbraccia il dolore, dove diverse testimonianze femminili hanno mostrato come la sofferenza possa diventare occasione di rinascita.
Mentre in Educare è amare, con Eraldo Affinati e Francesco Fadigati, l’educazione è stata raccontata come atto di fiducia: “Valutare significa dare valore”, ricordava uno dei relatori, ribaltando la logica del giudizio in quella della stima.

Testimonianze di pace e libertà

La giornata conclusiva ha portato sul palco esperienze che raccontano il Bene nella storia.
La mostra Franz e Franziska. Non c’è amore più grande, dedicata ai coniugi Jägerstätter, ha ripercorso la scelta di due sposi che opposero la loro coscienza al nazismo fino al sacrificio.
Accanto a loro, la mostra su don Antonio Seghezzi, sacerdote bergamasco morto a Dachau, ha offerto un ritratto di fede vissuta come resistenza morale.
E i giovani di Gioventù Studentesca, con Profezie per la pace, hanno portato in scena esperienze di riconciliazione nate nei luoghi di guerra.

Il festival si è chiuso con l’incontro La pace è un lavoro artigianale tra Fra Francesco Ielpo e Davide Prosperi, che hanno ricordato come la pace non sia un sentimento vago, ma un lavoro quotidiano: fatto di gesti, di relazioni, di una responsabilità personale che precede la politica.

Il Bene che resiste

In un tempo in cui la cronaca spesso sembra dominata dal conflitto e dalla paura, BergamoIncontra ha scelto di raccontare il contrario: che il Bene non è un’eccezione, ma una presenza ostinata dentro la realtà.
Non una consolazione, ma una forma di resistenza civile e spirituale.
E in questo senso, il festival non si è limitato a proporre incontri o mostre: ha costruito un luogo di sguardo, dove l’esperienza umana è tornata ad apparire nella sua interezza, fatta di ferite, ma anche di una sorprendente capacità di bellezza.

Bergamo Incontra 2025, Chorus Life

Androidi emotivi, legioni digitali e banconote dal 2504: il collettivo artistico DustyEye presenta un universo narrativo fuori dal tempo.

In un’epoca in cui il futuro viene spesso immaginato come distopico e alienante, possiamo scegliere di percorrere una strada diversa. Salendo a bordo di una “Macchina del Tempo”, o meglio di un Cronotraslatore, è possibile esplorare le infinite traiettorie del Pluritempo: un multiverso narrativo in cui passato e futuro si sfiorano, si confondono e si riscrivono.

“Pluritempo, cronoviaggi e 44 memorabilia dai secoli venturi” è il progetto artistico che mette in mostra non solo visioni alternative del Domani, ma anche reperti tangibili (e decisamente immaginifici) provenienti da futuri remoti. A guidarci in questo viaggio c’è l’androide N°44 V864.962, la cui vita emotiva — già, emotiva — si intreccia con quella di Maxtor, un cybercane smarrito nel 2379. Intorno a loro ruotano legioni di entità digitali dal XXIII secolo, algoritmi con un’anima e una valuta del futuro, l’Ukron, che già oggi mette in crisi gli equilibri economici (e morali) del presente.

Il messaggio è chiaro: il futuro non è una condanna, ma una possibilità. E, soprattutto, non è uno solo, ma sono molti. Nessuna profezia, dunque, solo immaginazione e creatività che si fanno esperienza artistica.

Il progetto sarà in mostra dal 13 giugno al 4 luglio 2025 presso la Galleria Marco Fraccaro del Collegio Cairoli di Pavia, in Piazza Collegio Cairoli 1. L’inaugurazione si terrà venerdì 13 giugno alle ore 18.00 e sarà un’occasione per addentrarsi, insieme agli autori, tra teche temporali, memorie future e visioni iper-narrative.

C’è un museo magico nel cuore di Milano

DustyEye non è nuovo a queste incursioni temporali. Dal 2017 il collettivo si muove tra secoli e suggestioni, affidandosi alla tecno-narrazione per riflettere su intelligenza artificiale, identità, emozione e memoria. Nel 2024 ha visto la luce Il Magico Museo di Dergano, vera e propria fucina di Tecnomagia nel cuore di Milano, e poco dopo sono usciti I Dossier di Maxtor, un ipertesto illustrato frutto di una narrazione collettiva a 64 mani.

Tra filosofia, festival e finzione tangibile

Nel corso degli anni, DustyEye ha portato le sue creazioni a festival di cinema e sociologia, ha collaborato con l’Università di Torino, ha pubblicato su riviste accademiche e ha persino distribuito Ukron (del valore attuale di oltre 112.000 euro l’uno) per “solleticare gli equilibri economici internazionali”. Una provocazione? Forse. Ma anche un’operazione poetica che gioca con il tempo, la finanza e la percezione della realtà.

La frontiera tra umano e artificiale? Sfocata.

Il futuro secondo DustyEye non è governato da macchine ostili o intelligenze senza volto. Anzi. È un tempo in cui la linea tra Mente e Algoritmo sfuma, in cui l’intelligenza artificiale è parte integrante della vita emotiva, e dove la collaborazione tra umano e digitale è la chiave di una nuova forma di esistenza.

Con ironia, profondità e un’estetica che mescola steampunk, cyberpunk e fantascienza filosofica, “Pluritempo” ci invita a ripensare il nostro rapporto con il tempo, la memoria e il futuro. E ci ricorda che ogni viaggio nel tempo, reale o immaginario, è sempre un modo per guardare meglio al presente.

La mostra Today’s Masters Meet Tomorrow’s Talents, curata da Venticento Eventi, esplora il dialogo tra tradizione artigianale e innovazione creativa presso la House of Switzerland Milano.

La Milano Design Week 2025 ospiterà un’esposizione unica nel suo genere: Today’s Masters Meet Tomorrow’s Talents, una mostra che celebra l’incontro tra la maestria degli artigiani esperti e la freschezza delle visioni dei giovani creativi.

L’esposizione, realizzata da Venticento Eventi, si terrà dal 7 al 13 aprile presso la House of Switzerland Milano, all’interno della suggestiva Casa degli Artisti di Brera. Presentata dalla Michelangelo Foundation, la mostra si propone di esplorare la forza del dialogo tra tradizione e innovazione, mettendo in risalto la bellezza di oggetti unici, realizzati grazie alla collaborazione tra esperti artigiani e talenti emergenti provenienti da tutto il mondo.

Eleganza e tradizione in mostra

Al centro dell’esposizione c’è la seconda edizione della Homo Faber Fellowship, un programma internazionale che ha visto 23 coppie di artigiani e giovani designer lavorare insieme alla creazione di pezzi ispirati all’Art déco.

Questi oggetti sono il frutto di una sintesi perfetta tra l’eleganza della tradizione e la spinta innovativa delle nuove generazioni, esplorando nuovi linguaggi creativi e materiali. Come spiega Carla Martino, Responsabile della unit Art-Luxury and Culture di Venticento Eventi, “Abbiamo progettato uno spazio che mette in evidenza le opere senza sovrastarle, utilizzando materiali naturali come l’MDF e tonalità neutre per creare un ambiente sobrio e raffinato, dove le creazioni possono davvero raccontare il loro valore.”

L’ingresso è gratuito e l’esposizione sarà aperta dalle 10:00 alle 17:00 il 7 aprile e dalle 10:00 alle 20:00 dal 8 al 13 aprile.

Il prossimo 21 marzo 2025 il MEET | Digital Cultural Center di Milano ospiterà una performance unica, Tecnomagia: Simbiosi tra Inconsci Collettivi e altre singolarità apprese sfiorando la complessità del Pluritempo, presentata dal collettivo Dusty Eye.

Viaggio nel futuro

In un tempo di circa 2640 secondi, il collettivo Dusty Eye guiderà i partecipanti in un’esperienza visiva e narrativa che attraversa i secoli, esplorando un futuro possibile grazie al Cronotraslatore, la “Macchina del Tempo”. L’evento si distacca dalle tradizionali visioni distopiche della fantascienza, portando invece in scena un mondo dove la separazione tra mente e algoritmo è sfuocata e il concetto di “artificiale” perde il suo significato tradizionale.

Nel corso dell’esperienza, gli ospiti avranno modo di interagire con personaggi ed entità provenienti dal futuro, come l’androide N°44 V864.962 e il cybercane Maxtor, ma anche con una legione di entità digitali provenienti dal XXIII secolo. Queste entità, realizzate dall’artista L.Elrah, saranno assegnate agli ospiti grazie al dispositivo tecnoalchemico VÆSSEL, ideato dalla tecnologa Jenny Filipetti.

Un’esperienza immersiva e interattiva

L’evento si presenta come un’esperienza immersiva, che unisce elementi di tecnologia e arte visiva. Tra i momenti salienti della performance ci saranno cronoreperti, memorabilia dai secoli futuri e una proiezione video che ricreerà l’atmosfera magica di un falò. A rendere ancora più unica l’esperienza, la possibilità di entrare a contatto diretto con le entità digitali tramite il dispositivo VÆSSEL, un’interazione che promette di sfidare le nozioni di tempo, realtà e identità.

L’evento

L’ingresso all’evento è gratuito, ma con un numero limitato di posti: solo 44 ospiti potranno partecipare a questa esperienza esclusiva. Gli interessati sono quindi invitati a registrarsi in anticipo, per non perdere l’opportunità di assistere a uno degli eventi più affascinanti della stagione culturale milanese.

L’evento di Dusty Eye al MEET è un invito a esplorare il futuro non come qualcosa di predestinato, ma come un insieme di infinite possibilità, dove le linee narrative si intrecciano in modi imprevedibili e affascinanti. La “Tecnomagia” diventa così un ponte tra l’oggi e il domani, un’occasione per riflettere sul ruolo della tecnologia nel plasmare la nostra realtà e le nostre identità.

Dettagli dell’evento:

• Data e ora: Venerdì 21 marzo 2025, ore 18.00
• Luogo: MEET | Digital Cultural Center, Viale Vittorio Veneto 2, Milano
• Ingresso: Libero (massimo 44 ospiti)
• Registrazione: prenotandosi con una mail a info@DustyEye.com

Un patrimonio che resterebbe inaccessibile e sarebbe un peccato per le generazioni Zeta e Alpha. Una mostra a Milano offre un segno tangibile della lotta alle mafie

Ci si potrebbe chiedere che cosa provasse un mafioso davanti a un’opera di Warhol, o di Sironi, o di Cucchi. Chissà se qualcuno delle cosche ha usato l’arte per salvarsi. È una domanda da farsi da martedì 3 dicembre, fino al 26 gennaio 2025, nelle sale di Palazzo Reale. Dove è aperta e gratuita la mostra dal titolo che è un messaggio: “SalvArti. Dalle confische alle collezioni pubbliche”, che restituisce al pubblico una serie di opere d’arte contemporanea, tra dipinti, grafica e sculture di artisti quali Giorgio de Chirico, Mario Sironi, Lucio Fontana, Massimo Campigli, Salvador Dalí, Andy Warhol, Mario Schifano, Robert Rauschenberg, Christo e altri, provenienti da confische fatte dalla pubblica autorità alla malavita organizzata.

Un progetto che vuole sottolineare e riaffermare il fondamentale valore della legalità presso generazioni come gli Zeta e gli Alpha che potrebbero essersi perse qualcosa di importante.

L’esposizione è parte del progetto “Arte per la cultura della legalità”, a cura della Direzione generale Musei del Ministero della Cultura, dell’Agenzia Nazionale Beni Sequestrati e Confiscati alla criminalità organizzata (ANBSC), del Comune di Milano e della Città Metropolitana di Reggio Calabria, in collaborazione con il Ministero dell’Interno.

La rassegna milanese è la seconda tappa di un itinerario che si è aperto con l’anteprima al Museo Hendrick Christian Andersen a Roma, dal 16 ottobre al 21 novembre 2024, e che si chiuderà al Palazzo della Cultura a Reggio Calabria, dall’8 febbraio al 27 aprile 2025.

Oltre a presentare un patrimonio culturale in buona parte rimasto inaccessibile alla collettività, l’iniziativa mette in risalto il ruolo e l’impegno delle istituzioni coinvolte nel lungo e virtuoso processo che è stato necessario per recuperarle, fra queste, il Comando Carabinieri Tutela del Patrimonio culturale e la Guardia di Finanza, e per verificarne l’autenticità e l’interesse culturale.

Le oltre ottanta opere che compongono il percorso espositivo, ordinato secondo un criterio cronologico e tematico, provengono da due differenti procedimenti. Il primo è scaturito da due indagini incrociate, svolte dal R.O.S. dei Carabinieri e dal Nucleo di Polizia Valutaria della Guardia di Finanza, per una maxi-frode fiscale legata a una rete internazionale di riciclaggio.

Il secondo, invece, è frutto di una confisca a carico di un soggetto pienamente inserito nel circuito della criminalità organizzata e stabilmente dedito ad attività economiche illecite.

La mostra consente di ripercorrere gli sviluppi dell’arte dalla prima metà del Novecento fino ai primi anni Duemila, in particolare l’evoluzione dei linguaggi espressivi e delle correnti artistiche del tempo. Tra queste, il gruppo Novecento con Mario Sironi (“Composizione astratta – Scena urbana con carrozza”, “Moltiplicazione II”, prima metà del XX secolo), la Metafisica con autori quali Giorgio de Chirico (“Piazza d’Italia”, prima metà del XX secolo) e Carlo Carrà (“Capanno sulla riva”, 1955, nella foto); la Transavanguardia di Sandro Chia (“Ossa fossa cassa”, 1990; “Cupido”, 1996), Enzo Cucchi (“Autostrada del Pensiero”, 1997) e Mimmo Paladino; e la Nuova scuola Romana con Bruno Ceccobelli, Piero Pizzi Cannella, Gianni Dessì, Nunzio Di Stefano; insieme a esperienze, quali l’astrattismo geometrico e informale, l’arte murale di Keith Haring (“Kh mural”, 1989), la land art di Christo e il genere del libro d’artista, come “Cantata Bluia Libro dore” di Pier Paolo Calzolari.

In mostra anche alcune opere scultoree: accanto al piccolo bronzo di Arnaldo Pomodoro (“Disco”, 1986/2003), artista di fama internazionale per l’arte monumentale pubblica, vengono proposte sperimentazioni più contemporanee, come i lavori di Michele Savini (“Anello”, 2008; “Coniglio”, 2009).

Dopo le rassegne di Milano e Reggio Calabria, il primo gruppo di lavori, provenienti da una confisca divenuta definitiva nel 2018, sarà consegnato a diversi istituti museali del MiC selezionati dal Direttore generale Musei Massimo Osanna su tutto il territorio nazionale: a Milano (Pinacoteca di Brera – Palazzo Citterio), Roma (Galleria nazionale d’arte moderna e contemporanea, Museo delle Civiltà e Istituto centrale per la grafica), Napoli (Castel Sant’Elmo e Museo del Novecento) e Cosenza (Galleria nazionale di Cosenza).

Il secondo gruppo di 22 opere rimarrà a Reggio Calabria, presso il Palazzo della Cultura “P. Crupi”, dove, sin dal 2016, sono permanentemente esposte oltre cento opere d’arte, tutte facenti parte di una unica confisca effettuata dal Tribunale di Reggio Calabria nel 2015 e affidate dal Segretariato regionale del MiC per la Calabria alla Città Metropolitana.

Accompagna la mostra un catalogo Electa Editore.
Tutte le informazioni su palazzorealemilano.it

La Design Week 2024 ospiterà il primo Taiwan Pavilion: quindici studi e brand taiwanesi si confrontano con questioni globali sulla cultura materiale locale riflettendo, attraverso progetti specifici, sul ruolo del design nella società contemporanea e sul valore del design thinking.

Una mostra sul presente e il futuro di Taiwan

La conformazione geografica e gli avvicendamenti socio-politici di un paese “caldo” come Taiwan si riflettono nella sua produzione artistica. L’isola, che da un lato possiede paesaggi e risorse naturali inestimabili, è internazionalmente conosciuta come “la fabbrica del mondo” e, nel corso della storia, ha visto diverse potenze coloniali avvicendarsi alla sua guida. 

Questi alcuni degli spunti di riflessione che hanno dato vita alla mostra “Who is going to raise the questions? The questions are designed in Taiwan”, curata da Eric Yu, Atelier SUPERB e Tsung-Yen Hsieh nel primo Taiwan Pavilion della design week milanese, organizzato dal Taiwan Design Research Institute (TDRI) con il supporto dell’Ente per lo Sviluppo Industriale del Ministero degli Affari Economici di Taiwan.

Chi porrà le giuste domande? L’obiettivo dell’esposizione Taiwanese

La mostra mira a mettere in evidenza la cultura materiale taiwanese e lo stato dell’arte del design locale, oltre a sfidare le convenzioni e ridefinire i confini della creatività nella risoluzione di problemi globali e collettivi.

I quindici designer e brand partecipanti, già premiati dal Golden Pin Awards che seleziona l’eccellenza locale, rappresentano una gamma varia ed esemplare di talenti e prospettive sull’identità locale e sui valori del progetto all’interno di questioni più ampie, quali l’impatto ambientale e il design circolare. I prodotti in mostra – dagli accessori per la casa all’arredo, dal tessile sostenibile ai materiali da risorse di riciclo e post-industriali – consentono di riflettere sul ruolo del design nell’industria dell’innovazione, promuovendo un nuovo paradigma di qualità e modelli di produzione che sfruttino la tecnologia verso obiettivi di sostenibilità sociale e manifatturiera.

La mostra sarà visitabile in Via Pietro Maroncelli 7, Milano – Brera Design District a partire dal 15 aprile alle ore 10:00

Il legame tra sport e fotografia non trova la sua realizzazione solo nelle immagini spettacolari di performance e vittorie, ma ha molto altro da portare al pubblico. Testimonia i valori educativi, gli aspetti sociali non necessariamente competitivi, i contesti ambientali, rappresenta l’inclusione di tutte le diversità, la fiducia, la valorizzazione degli individui nei gruppi e molto altro. 

Questa è l’idea alla base del progetto fotografico “Sport Shots. Scatti di Valore” voluto da Fondazione 3M – ETS per sviluppare e divulgare messaggi positivi e attuali intorno allo sport, che portino l’attenzione attraverso una narrazione culturale sugli eventi dei Giochi Olimpici e Paralimpici Invernali 2026. Patrocinato da CONI – Comitato Regione Lombardia, il progetto prevede esposizioni e momenti divulgativi diffusi sul territorio lombardo, per sensibilizzare e coinvolgere il grande pubblico.

Il progetto sarà presentato in anteprima nell’ambito dell’evento “Sport Per Ben Essere” organizzato da Confcommercio Milano a Palazzo Castiglioni, corso Venezia 47, dal 9 al 12 maggio 2024 con l’obiettivo di avvicinare cittadini e turisti allo sport. 

La mostra “Sport Shots. Scatti di Valore”, curata da Roberto Mutti, si articola in quattro sezioni monografiche in sequenza di tempo, dagli anni 30 a oggi, che danno conto dei tanti aspetti della dimensione sportiva che la fotografia sa indagare: si parte necessariamente dall’indagine che un grande autore come Elio Luxardo ha compiuto sul corpo e da qui si mettono a confronto le immagini dei primordi della fotografia così serie e composte nei costumi come nei gesti con quelle della seconda metà del Novecento tutte incentrate sulla spettacolarità. Sono gli autori contemporanei, infine, ad indagare sui valori che lo sport rappresenta: lo fanno con immagini che vanno oltre gli aspetti descrittivi per usare la metafora, la simbologia, l’allegoria con immagini caratterizzate da una notevole forza evocativa. 

Il laboratorio del corpo: Elio Luxardo, una lezione di stile

Elio Luxardo (1908-1969) nasce da genitori di origini italiane in Brasile dove si segnala dapprima come atleta di valore e poi come autore di documentari. Dal padre fotografo di professione impara molto lavorando con i fratelli nello studio di famiglia ma quando, nel 1932, si trasferisce a Roma, si iscrive al Centro sperimentale di cinematografia che poi, insofferente della disciplina, abbandona per sposare definitivamente la fotografia affermandosi soprattutto come ottimo ritrattista. Nel suo studio romano dapprima e, dal 1944, in quello milanese, sperimenta soprattutto quel particolare uso delle luci che aveva imparato sui set e che ritrovava, da grande e competente appassionato del cinema, soprattutto nei film americani. Tutto ciò caratterizza in modo evidente anche le sue ricerche personali sul corpo che colpiscono per la loro bellezza asciutta e suggestiva. I nudi femminili e quelli maschili sono il frutto dei giovanili esordi come scultore, ma soprattutto provengono dalla sua capacità di considerare il corpo in una sua assoluta plasticità lontana in egual misura dalla morbosità come dalla retorica e semmai vicina a quell’antica ammirazione per il corpo degli atleti assunto a modello di armonia. In Luxardo quello femminile è di una bellezza eterea che sembra plasmato dalla luce e disegnato da una grazia leggera mentre quello maschile è scattante, elastico, capace di evocare una classicità antica ma anche di anticipare quella forza prorompente e sfrontata poi cara a Robert Mapplethorpe. 

Nuove prospettive: quando la fotografia si accorse dello sport

Ai suoi primordi, la fotografia si è dovuta confrontare con il tempo perché la bassa sensibilità dei materiali costringeva i soggetti a lunghe pose e ogni movimento non poteva essere facilmente registrato. Quando è migliorata la qualità di lastre e pellicole, i fotografi si sono aperti a nuove prospettive cui hanno aderito con entusiasmo e così lo sport è entrato a pieno diritto nella loro espressività. Gli esperimenti di Eadweard Muybridge nel 1878 sui movimenti di un cavallo al galoppo possono essere considerati come le prime fotografie di sport esattamente come le ricerche di Étienne-Jules Maray che nel 1880 riprende su un’unica lastra i tanti movimenti di un saltatore d’asta e quelli di uno schermidore. Da allora, in un’epoca dominata dal bianconero, i fotografi si sono impegnati a realizzare immagini spesso commissionate da giornali e riviste che davano loro il giusto risalto. Se in un primo momento ai soggetti si richiedeva di mettersi in posa, magari in studio davanti a fondali dipinti, man mano i fotografi cercano di raccontare il dinamismo che caratterizza ogni disciplina sportiva. Pur potendo contare su attrezzature non certo paragonabili a quelle cui oggi siamo abituati, sono in molti a realizzare riprese di prestigio. Accanto a fotografie più classiche che fermano il gesto atletico di superare un’asticella, di tuffarsi con eleganza, di misurarsi con un ostacolo, compaiono così ricerche spettacolari vere e proprie come quella del famoso fotografo tedesco Heinrich von Der Becke che riprende una gara di nuoto da una inedita prospettiva subacquea. 

La fotografia come spettacolo: quando lo sport sa affascinare

C’è stato un momento nella storia della fotografia, a partire dagli anni Sessanta, in cui alcuni fondamentali aspetti tecnici hanno profondamente influenzato l’estetica delle immagini che venivano scattate, pubblicate, esposte, viste.  Nelle borse dei fotografi sono entrate nuove, maneggevoli fotocamere reflex e innovative pellicole grazie alle quali si potevano ottenere immagini caratterizzate da colori intensi e vividi. In breve, le bellissime biottiche tedesche Rolleiflex e Rolleicord usate dai professionisti per i ritratti, la cronaca e il reportage anche sportivo rivelarono tutti quei limiti che l’abilità dei fotografi aveva nascosto. Le nuove reflex giapponesi che potevano persino montare dei motori per l’avanzamento delle pellicole avevano una dotazione di obiettivi che andavano dai grandangoli ai lunghi teleobiettivi grazie ai quali i fotografi potevano ottenere immagini di una straordinaria spettacolarità. Così, gli autori si concedono nuove audaci prospettive e angoli di visuale insoliti che, a ben guardare, sono anche il frutto di un’epoca che stava abbandonando il passato per guardare con fiducia al futuro perché allora tutto poteva o sembrava essere possibile. I giocatori di basket e i tennisti possono ora essere ripresi dall’alto, i corridori dal basso, i momenti importanti come quelli delle motociclette in corsa congelati definitivamente. Gli obiettivi grandangolari che allargano lo sguardo, i teleobiettivi che permettono di avvicinare i soggetti per coglierne le espressioni e creare giochi di prospettive fra i piani pieni di dettagli e quelli volutamente sfocati sono tutti elementi che conferiscono alle fotografie di sport di quest’epoca un fascino tutto particolare. Queste immagini non sono esenti da qualche limite eppure, forse proprio per questo, conservano una forza espressiva un fascino e perfino certe ingenuità che ce le rendono particolarmente care. 

Il coraggio dei sentimenti: lo sport come valore

Quando la fotografia contemporanea si avvicina allo sport lo fa in due modi differenti: puntando ancora una volta sulla ripresa dei gesti degli atleti per ottenere immagini che, anche grazie all’evoluzione dei materiali che consentono di ottenere risultati di grande efficacia, colpiscono per la loro spettacolarità oppure cercando di far emergere quanto di più profondo si trova nei valori su cui lo sport si fonda. Ovviamente questa seconda ricerca è più complessa perché una cosa è la comprensione di parole comuni anche se importanti come lealtà, coraggio, audacia, una cosa è avventurarsi nell’impresa della loro rappresentazione attraverso le immagini. Gli autori qui coinvolti talvolta hanno trovato nei loro archivi opere che ben rientravano in questo progetto ma in altri casi hanno lavorato per produrre nuove fotografie che si muovessero all’interno di questa logica. È stata una vera e propria sfida a cui ognuno ha contribuito con la propria sensibilità e il proprio stile. C’è chi lo ha fatto – è il caso di Occhiomagico con la sua pulizia formale, Giancarla Pancera con le sue intuizioni fulminee, Alessandra Danieli e Adriano Meis con i loro richiami simbolici, Lucrezia Roda con le sue elaborazioni visive, Pietro Sala con il suo rigore formale – operando in una dimensione metaforica dotata di una forte capacità evocativa e chi, come Luigi Erba, Alice Arcando, Enzo Rocca, Michela Albert, ha trovato nelle proprie immagini tagli compositivi di forte impatto emotivo. Ci sono poi autrici ed autori che hanno saputo riassumere intere storie grazie a scatti dotati della capacità di fantasticare: da qui emergono l’immaginario di Maurizio Galimberti, il dinamismo di Roberto Rognoni, la delicatezza intima di Raoul Iacometti, il senso compositivo di Francesca Meloni, la capacità di sintesi di Benedetta Pitscheider, la leggerezza di Marta Baffi. 

Le opere della mostra appartengono all’archivio di Fondazione 3M, istituzione culturale permanente di ricerca e formazione che da oltre vent’anni si propone come esempio dell’attenzione che una delle più innovative realtà industriali esercita in ambito scientifico, culturale, economico e sociale.

L’inaugurazione dell’evento “Sport Per Ben Essere” e della mostra “Sport Shots. Scatti di Valore” si terranno giovedì 9 maggio 2024 alle ore 11.00 presso Palazzo Castiglioni, corso Venezia 47.

Dal 7 marzo al 4 aprile 2024, grazie al supporto di Venticento, le icone della civiltà estintasi sull’Isola di Pasqua prenderanno vita nello spazio pubblico di CityLife a Milano, per ispirare una riflessione sulla relazione tra essere umano e ambiente naturale.

Venticento, agenzia creativa specializzata nell’organizzazione eventi con sede a Milano, ha supportato l’installazione “Moai” realizzata dal duo artistico Urbansolid, conosciuto a livello internazionale per i propri interventi urbani a forte valenza sociale e ambientale.

Le statue dei Moai sono portatrici di una lezione sulla relazione tra uomo e natura: la civiltà Rapa Nui si estinse a causa di un impatto umano insostenibile sull’ecosistema isolano. Le statue, normalmente erose e martoriate dal tempo, sono state volutamente “vandalizzate” attraverso l’apposizione di scritte e segni, un espediente che ne altera il significato originario, volto ad evocare in chi guarda potenti interrogativi: cosa succede quando l’equilibrio tra uomo e natura si rompe? Riusciremo a imparare dal passato ed evitare gli errori che portarono alla distruzione dei Rapa Nui?

Venticento, da sempre attenta al tema della sostenibilità ambientale, condivide pienamente i valori che hanno ispirato a Urbansolid la realizzazione questo importante progetto artistico; mediante la sua sponsorizzazione, l’agenzia mira a massimizzare la visibilità e l’impatto del progetto, coinvolgendo un ampio pubblico di visitatori. L’obiettivo è quello di promuovere un dialogo costruttivo tra arte e società, al fine di sensibilizzare un vasto pubblico sul tema della sostenibilità.

CACAS – Non è tutto oro quel che luccica

«La cacca è l’unica cosa che l’essere umano fa senza copiare gli altri, non c’è niente di più personale e ogni volta è un’opera d’arte», spiega Oliviero Toscani ed è proprio da questa riflessione che nasce CACAS – Non è tutto oro quel che luccica, una mostra che espone nei suggestivi spazi dell’Ex scalo ferroviario Farini alla Galleria Lampo a Milano una serie di opere realizzate nel 1998  per COLORS e mai esposte prima.

Chi può trasformare un prodotto male odorante e dalla forma poco gradevole in un soggetto da fotografare? Ovviamente Oliviero Toscani.

Un’esposizione fotografica sui generis che rende omaggio a un argomento ancora tabù che però fa parte della vita di tutti noi: «Con il titolo Non è tutto oro quel che luccica ci riferiamo a un proverbio tipico italiano che punta a mettere in guardia dalle apparenze. Toscani sovverte la paura e usa queste parole in positivo, dimostrando che l’arte può rendere affascinante qualunque cosa, anche la cacca, che con le sue fotografie splende» racconta Nicolas Ballario curatore della mostra.

La mostra raccoglie fotografie di grande formato che ritraggono escrementi di ogni tipo, non solo umani ma anche di animali che provengono da mezzo mondo: scimpanzè, mucche, giraffe, iene, maiali, leoni, anatre, pesci rossi, pitoni, bufali, tigri, grilli e molto altro.

Dove e quando

L’esposizione aperta al pubblico gratuitamente dal 21 febbraio al 24 marzo 2024 all’ Ex scalo ferroviario Farini alla Galleria Lampo a Milano è promossa da Sebach azienda leader in Italia nel noleggio di soluzioni mobili sanitarie e per la logistica, che porterà nello spazio espositivo un allestimento tutto da scoprire.
Non è la prima volta che Sebach collabora con Oliviero Toscani: già nel lontano 2006 il l’artista curò il restyling del brand, con l’idea del famigerato cuore rosso rovesciato entrato oramai nell’immaginario comune e che segnò la svolta comunicativa dell’azienda.

Millennial, affrettatevi.

Galleria Lampo Via Valtellina, 5, 20159 Milano
Dal 21 febbraio al 24 marzo 2024.

“Lo sguardo radicale. Passione, curiosità e rigore nella fotografia italiana di ricerca” è la mostra collettiva che raccoglie esponenti della fotografia italiana tra celebrazioni e inediti.

Al Palazzo Comunale di Seriate un’esposizione fotografica accosta gli autori che, secondo il curatore Roberto Mutti, rappresentano le pietre angolari e lo sviluppo successivo della fotografia italiana di ricerca. Si parte da una profonda riflessione su quella che un tempo era considerata avanguardia e che anticipava i confini di una nuova e diversa espressività; questo avviene con un doveroso omaggio a pionieri come Luigi Veronesi e Franco Grignani e ai maestri della ricerca contemporanea italiana come Franco Vaccari, Ugo Mulas e Nino Migliori. Ma lo “Lo sguardo radicale. Passione, curiosità e rigore nella fotografia italiana di ricerca” punta a stupire proponendo numerosi inediti e presentando al pubblico tematiche e stimoli variegati, con l’obiettivo di favorire il confronto e il dialogo tra autori di tempi e luoghi eterogenei, con rimandi verticali fra i due piani, inciampi e proposte spiazzanti per un vero e proprio coinvolgimento emotivo.

Il percorso espositivo accoglie tre fotografie in bianco e nero in grande formato di Marcello Vigoni, selezione dell’ampio progetto di ricerca “Multiverso” con il quale l’autore milanese indaga il rapporto tra l’uomo e la natura, rappresentando in ogni opera un paesaggio naturale e un panorama urbano. Nei sui scatti l’elemento naturale sembra scomparire sopraffatto dall’elemento artificiale, un escamotage ricorrente della poetica  di Vigoni che mira a trasmettere una sensazione di razionalità e di essenzialità che sfocia nella sensibilità surrealista. 

“Multiverso” di Marcello Vigoni, poetica in analogico

Per ottenere queste particolari suggestioni, Vigoni lavora in esclusivamente in analogico utilizzando la tecnica della doppia esposizione come personale cifra stilistica. Completano le poetica di Vigoni la scelta costante del bianco nero e la stampa in camera oscura: il tempo necessario allo sviluppo diventa così elemento integrante del progetto, contribuendo ad attribuire a ogni immagine una sensazione di sospensione, di meditazione.

La profonda conoscenza del mezzo fotografico e le scelte che generano “Multiverso” danno origine a un linguaggio visivo moderno che mira a trasportare l’osservatore in una realtà immaginaria e onirica. Grazie alla fotografia di Vigoni accediamo ai molteplici universi fuori dal nostro spazio-tempo, per contemplare una dimensione a noi vicina ma contemporaneamente inaccessibile alla sola razionalità, una “dimensione parallela”.

Il progetto fotografico “Multiverso” è in mostra nell’ambito della collettiva “Lo sguardo radicale. Passione, curiosità e rigore nella fotografia italiana di ricerca” a cura di Roberto Mutti  allestita negli spazi della Sala Espositiva “Virgilio Carbonari” del Palazzo Comunale, piazza Alebardi 1, Seriate (BG) e aperta a ingresso libero dal 10 al 23 dicembre 2023 e dal 3 al 13 gennaio 2024.  

Lancôme x Louvre, due nomi e la bellezza come punto di unione. Una collaborazione tutta francese tra il noto brand di cosmesi e il più noto museo di Parigi, insieme per lanciare una nuovissima collezione di prodotti skincare e makeup.

La Venere di Milo, la Nike di Samotracia, Corine, Diana di Gabi, la Ninfa dello scorpione, Igea, Eco, la Venere di Alres e l’Ermafrodito dormiente: sono questi i capolavori del Louvre a cui attinge la nuova campagna di Lancôme. Da una parte le meraviglie museali, dall’altra le meraviglie dietro il brand cosmetico: Lisa Eldridge, Global Creative Director di Lancôme, ha chiamato a rapporto per questo progetto artistico niente meno che Zendaya, Aya Nakamura, Amanda Seyfried e He Cong.

La bellezza si respira in ogni angolo ed è arte, arte vivente.

Codici diversi perfettamente fusi insieme: la bellezza è in perpetuo movimento

Il video ufficiale della campagna dura solamente 59 secondi, ma quei 59 secondi bastano per raccontare una storia. Lancôme x Louvre unisce l’arte statica all’arte dinamica, la bellezza classica a quella contemporanea. Sotto le note di Elijah di House of El, le testimonial del brand francese si muovono sinuosamente in lungo e in largo per le stanze magiche del museo: accanto alla monocromia delle sculture c’è la leggiadria nei colori degli abiti delle testimonial. Strati di tessuto che volano si fondono agli spigoli diversamente vivi di quelle opere d’arte. La vita vera e la vita che è stata: la bellezza di due epoche lontane pronte a riscoprirsi, pronte ad abbracciarsi.

In Lancôme la bellezza è arte in movimento; la bellezza stessa, come rituale personale, è un mezzo per esprimere e distinguersi, attraverso codici – o non codici, in continua evoluzione (Françoise Lehmann, Presidente di Lancôme)

Lancôme x Louvre fa proprio questo: unisce codici, accende la bellezza in ogni sua forma d’arte. Quella che vive ogni giorno nella quotidianità del mondo, in carne e ossa, e quella che vive in uno degli spazi più iconici della capitale francese. La scultura che resta e non muore, l’evoluzione di una bellezza che si trasforma e contempla il suo passato.

Passato e presente volano insieme, come l’ala della Nike di Samotracia, seppure immobile, si muove all’unisono con il corpo di Zendaya.

La collezione skincare e makeup di Lancôme sarà un inno unico all’arte e alla bellezza e noi non vediamo l’ora di scoprirla.

La Giornata Internazionale dei Musei celebra il patrimonio artistico e culturale ogni 18 maggio dal lontano 1997. Si tratta di una ricorrenza istituita dall’International Council of Museums, la principale ONG che rappresenta i musei e i lavoratori del settore.

Giornata Internazionale dei Musei: il tema 2023

Questa ricorrenza punta a celebrare l’importanza dell’arte e della cultura come mezzi di comunicazione, di sensibilizzazione e di aggregazione sociale. Per farlo, ogni anno a partire dal 2020 la Giornata Internazionale dei Musei si propone di contribuire al raggiungimento di alcuni degli Obiettivi di Sviluppo Sostenibile individuati dalle Nazioni Unite.

Musei, Sostenibilità e Benessere per il 2023. Le istituzioni museali ricoprono un ruolo centrale nella proposta e nella realizzazione di un cambiamento sostenibile, sia in termini ambientali che socio-culturali.

Con questa giornata i musei e i luoghi della cultura si propongono di garantire il benessere come elemento centrale e come diritto della persona, arginando le problematiche legate alla salute mentale e all’isolamento sociale. La lotta per l’ambiente è una fardello di cui anche il mondo dell’arte si è fatto carico: l’obiettivo è intraprendere azioni urgenti per combattere il cambiamento climatico e i suoi impatti, adottando pratiche a basse emissioni di carbonio nel Nord del mondo e strategie di mitigazione nel Sud. Infine proteggere e ripristinare l’uso sostenibile degli ecosistemi terrestri, per promuovere prospettive di vita sul pianeta terra favorite da un approccio di apertura transculturale.

Quattro mostre d’arte italiane da non perdere a maggio e giugno ’23

1. Milano: Bill Viola a Palazzo Reale

La video arte che parla dell’uomo, della vita e della società. L’artista newyorkese Bill Viola, che vanta il titolo di pioniere e maestro della video arte, accompagna gli spettatori in un percorso di video ad alta definizione, talvolta imponenti e talvolta di dimensioni modeste, che presentano immagini vivide attraverso le quali indaga l’animo dell’individuo nel suo incontro con la vita, nella sua trasformazione a contatto con il mondo, nella percezione della morte e nella fase spirituale della rinascita. La mostra sarà visitabile fino al 25 giugno 2023. 

2. Roma: World Press Photo a Palazzo delle Esposizioni

Dal 1955 il World Press Photo premia ogni anno i migliori scatti provenienti dal mondo del fotogiornalismo su scala internazionale. Nella sua 66° edizione ci propone scatti che ripercorrono alcuni dei momenti che hanno fatto la storia dell’ultimo anno, affiancati da opere che portano alla luce vicende di nicchia meritevoli di spazio per approfondimenti e riflessioni: dalle proteste in Iran, passando per l’invasione russa dell’Ucraina, fino alle le nuove realtà nell’Afghanistan controllato dai talebani. La mostra sarà visitabile fino al 4 giugno 2023.

3. Bologna: Arte povera 1968, MAMbo.

Curata da Germano Celant e Gianfranco Maraniello, la mostra bolognese Arte povera 1968 si ispira a una delle prime esposizioni tenutasi proprio nella città emiliana nel 1968 presso la Galleria de’ Foscherari. Tema: arte povera, un movimento centrale nella storia dell’arte contemporanea italiana ripercorso con minuzia a partire dalle sue origini. La mostra fornisce un’interpretazione storica di uno dei movimenti più importanti del Novecento, che si identifica con il rifiuto dei saperi istituzionali e delle sedimentazioni culturali in favore della disgregazione e ricomposizione delle forme.

4. Napoli: Lucio Dalla. Il sogno di essere napoletano

Fino al 25 giugno 2023 al MANN – Museo Archeologico Nazionale di Napoli – si celebra, attraverso un viaggio sensoriale fatto di documenti, foto, oggetti quotidiani, copertine e manifesti, la relazione tra la città di Napoli e il cantautore Lucio Dalla. “La prossima volta voglio nascere qua, essere napoletano a tutti gli effetti, non solo importato”.

Palazzi e certezze che si sbriciolano davanti ai nostri occhi proprio durante la settimana dedicata alla celebrazione della casa. Al Fuorisalone di Milano è stata inaugurata l’installazione Home Swept Home: più di 50 scatti del fotografo Fabrizio Spucches accompagnati da altrettanti micro-racconti di Enrico Dal Buono.

La casa è un luogo dove sentirsi protetti e al sicuro, un diritto finito in macerie per milioni di persone in fuga dalle proprie case per guerre, povertà, violenze e disastri naturali.

A parlare proprio di una di queste catastrofi naturali con immagini vivide e una creatività narrativa a dir poco innovativa è Fabrizio Spucches, che porta al Fuorisalone di Milano un angolo di distruzione e, soprattutto, di riflessione.

Fabrizio Spucches con CESVI per un terremoto interiore

Una provocazione nel cuore della Milano Design Week: l’installazione HOME SWEPT HOME mira ad accendere i riflettori sul diritto a una casa sicura, un tema promosso da CESVI con il programma Case del Sorriso, che garantisce a migliaia di minori vulnerabili, in Italia e nel mondo, protezione, cure, dignità e rispetto dei loro diritti fondamentali. Grazie anche alla collaborazione con Milano Space Makers è stata inaugurata la mostra fotografica realizzata da Fabrizio Spucches e curata da Nicolas Ballario, con testi dello scrittore e giornalista Enrico Dal Buono.

Le immagini scattate in Turchia pochi giorni dopo il terremoto che ha colpito il paese sono riprodotte in gigantografie che ricoprono l’intera facciata di un edificio diroccato, un set incredibilmente coerente per portare la distruzione causata dal terremoto in Turchia nel cuore di una Milano animata dalla Design Week.

Una percorso attraverso quella che viene definita una normalità interrotta: case dai colori vividi ferite da crepe e crolli, collassate come “gusci” vuoti che non possono più accogliere chi le abitava.

«Non volevo portare un terremoto fisico a Milano, ma un terremoto interiore, che potesse far riflettere proprio noi che viviamo nella parte fortunata del mondo e che celebriamo il design e la bellezza. In questo modo possiamo guardarci allo specchio e riflettere sulle nostre sicurezze» dice Fabrizio Spucches durante la conferenza di inaugurazione.

«I soggetti di Spucches sono quasi sempre in piedi, come soldati sull’attenti che, nonostante il disastro, non rompono le righe perché, proprio come nel monologo di Beckett, ‘Finale di Partita’, “bisogna imparare a soffrire meglio di così, se vuoi che si stanchino di punirti”» racconta il curatore Nicolas Ballario.

Micro-storie di una normalità spezzata

Le immagini di donne, uomini e bambini davanti ad abitazioni ormai deserte e diroccate sono abbinate a racconti inediti di Enrico Dal Buono, che interpreta liberamente gli scatti. Storie di vita, monologhi interiori e aneddoti personali ci aiutano a immaginare cosa può esserci dietro l’immagine che contempliamo. I soggetti si animano, ci parlano, raccontano le loro sensazioni, riflettono sul passato e sul futuro. 

«E l’assurdo di queste pagine ripetitive e senza senno esplode con i testi di Enrico Dal Buono, che inventa favole per dirci che la fantasia ci distacca dal dolore, parole che escono dalle crepe dei palazzi e del suolo e che ci suggeriscono, nella retorica insopportabile della “natura come opera d’arte”, che questo quadro è incompiuto. O mutabile. Un olio su tela dipinto sul supporto sbagliato. Il colore si spacca, si disperde nell’aria, mentre il terremoto circonda l’essere umano e ne sbiadisce l’esistenza, senza nemmeno consegnare i corpi», dice Nicolas Ballario.

Proprio secondo Enrico Dal Buono «L’arte di Fabrizio dà un senso alla vita sbagliata, che se no non avrebbe senso. Le cose cambiano, perdono di senso, ciò che era inanimato diventa animato, come la terra, e ciò che era animato diventa inanimato, perché muore. […]  I personaggi spesso sono rappresentati insieme a un solo oggetto, che perde il proprio significato ma che ne incarna un altro».

L’installazione HOME SWEPT HOME è stata presentata al Mudec (Museo delle Culture di Milano) ed è visibile fino a domenica 23 aprile all’Opificio 31 in via Tortona 31.

DOPPIA FIRMA concilia guizzo creativo, abilità di progettazione e raffinata tecnica manuale alla Design Week 2023.

Nel cuore di una Milano animata dall’amore per il design e per la vita mondana torna la settima edizione di DOPPIA FIRMA. In occasione del Salone del Mobile di Milano Fondazione Cologni ripropone il format “Arts & Crafts & Design a Palazzo Litta”: dal 18 al 23 l’alto artigianato e la creatività tornano a valorizzare gli spazi monumentali della suggestiva location barocca di Palazzo Litta. 

Tra le esposizioni ospitate dal progetto spicca proprio Doppia Firma, la mostra organizzata da Fondazione Cologni dei Mestieri d’Arte in collaborazione con Michelangelo Foundation e Living – Corriere della Sera, che ogni anno presentano una collezione di oggetti unici realizzati dai migliori maestri d’arte e designer di fama internazionale.

Professionisti dell’arte si uniscono e si ispirano vicendevolmente. Il risultato è una serie di oggetti che ogni anno viene presentata in anteprima al Salone del Mobile di Milano, per poi essere esposta nell’ambito di importanti mostre in tutta Europa.

Un percorso attraverso il gioco

La settima edizione di Doppia Firma vede ben 24 coppie di artigiani e designer provenienti da tutto il mondo esprimere il valore del dialogo creativo attraverso la realizzazione di opere uniche.

Doppia Firma 2023 rivolge l’attenzione al concetto affascinante del “ludico”.

Umorismo, ironia, allusione, metafora, confusione e rovesciamento di prospettive e valori costituiscono il fil rouge di questa esposizione, per la realizzazione della quale i designer e i maestri d’arte sono chiamati a esprimere la propria visione del gioco nella contaminazione e nella trasgressione, tra ironia e divertimento, in una dimensione di totale piacere e libertà creativa.

Concetti trasmessi attraverso l’utilizzo dei materiali più disparati, come la ceramica, il metallo, lo specchio, il legno, il vetro, la paglia o la carta, plasmati per dare vita a nuove interpretazioni di pezzi d’arredo funzionali o decorativi.

Chi vedremo a Palazzo Litta per Doppia Firma

Designer e maestri d’arte non solo europei, ma provenienti da continenti come l’Asia (con un’opera realizzata in Pakistan) e l’America Latina (con il lavoro degli artigiani colombiani) creeranno un connubio creativo simbolo di commistione di culture e internazionalità: le opere nascono dalla fertilizzazione reciproca tra cultura del  progetto e un saper fare che si presenta come espressione autentica del territorio. 

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Le coppie di designer e artigiani d’eccellenza che vedremo a Doppia Firma 2023 sono: 

1. Meherunnisa Asad con Muhammad Ashfaq, Pakistan  
2. Atelier Biagetti con Ceramiche Gatti, Italia  
3. Jean Blanchaert con Lucio Bubacco, Italia  
4. Giampiero Bodino con De Castelli, Italia  
5. Yvonne Brunner e Daniel Zeisner, con Breitwieser Manufacturer, Austria 
6. Victor Cadene con Maison Thevenon, Francia
7. Matteo Cibic con Simone Crestani, Italia
8. Philippe Cramer con Atelier B, Svizzera  
9. Adam Nathaniel Furman, con Curiousa, UK  
10. Adriana Gómez Svizzera/Colombia, con Yecid Robayo, Colombia  
11. Pierre Gonalons con Craman Lagarde, Francia  
12. Jaime Hayón con Lladró, Spagna  
13. František Jungvirt, con Ajeto Glass Studio, Repubblica Ceca  
14. Helle Mardahl con Jørn Friborg, Danimarca  
15. Pierre Marie con Lison de Caunes, Francia  
16. Lucia Massari con Barbini Specchi Veneziani, Italia  
17. Julien Michaud con Emaux de Longwy, Francia  
18. Luca Nichetto con Lunardelli Venezia, Svezia / Italia  
19. Zoe Piter con Maximilien Pellet, Francia  
20. Supertoys Supertoys con Studio Zand, Paesi Bassi  
21. Mario Trimarchi con Massimo Lunardon, Italia  
22. Chris Wolston America, con Jose Luis Álvarez, Colombia 
23. Gianni Cinti con Elena Mulas 
24. Sonia Pedrazzini con Walter Usai 

Doppia Firma sarà esposta durante il Salone del Mobile, Milano a Palazzo Litta, in Corso Magenta 24.

Apertura al pubblico da martedì 18 aprile a domenica 23 aprile, ore 10.00 – 19.00, ultimo ingresso 18.45

«Visita Interiora Terrae, Rectificando Invenies Occultum Lapidem», o meglio: V.I.T.R.I.O.L. Joaquin Morodo torna con una mostra pittorica e musicale in occasione della Milano Art Week.

Dall’11 Al 16 aprile il panorama milanese aprirà i suoi orizzonti alla sensibilità artistica con la Milano Art Week, l’evento culturale che accompagna la fiera internazionale d’arte moderna e contemporanea di Milano (MiArt).

Dopo il successo ottenuto con il progetto presentato in occasione del Fuorisalone 2022, l’artista, imprenditore, cantautore e produttore musicale spagnolo Joaquín Morodo Garcia torna con il progetto espositivo V.I.T.R.I.O.L., che sarà esposto dal 14 aprile al 4 giugno presso Hub/Art nel distretto culturale a sud di Milano.

Alle origini di V.I.T.R.I.O.L.

Con una serie di dipinti materici in tecnica mista e un’opera digitale caratterizzata da una suggestiva animazione dinamica, Joaquin Morodo riflette sul procedimento alchemico della “Grande Opera”, che consiste nel processo di dissolvimento del lato più duro ed egoistico dell’animo umano.

Interpretando il significato contenuto nell’acronimo V.I.T.R.I.O.L. si giungerà al cuore della metafora elaborata dall’artista nel concepimento di questo percorso comunicativo: se l’essere umano si concentra e coltiva il suo io interiore, sarà in grado di liberare lo “spirito dalla materia”. Questo processo di purificazione e alleggerimento dell’animo condurrà, dal punto di vista morale ed etico, all’”elisir di vita”.

Tutto deve partire da noi, dalla nostra volontà, dal nostro cammino incrociato, in cui sacro e profano non devono essere separati ma devono convivere per il progresso nostro e del genere umano.

Joaquin Morodo

Il Joaquin Morodo che scopriremo alla Milano Art Week

V.I.T.R.I.O.L è un progetto pensato per snodarsi in una serie di tappe espositive. Questo primo appuntamento, la cui apertura è prevista in occasione della Milano Art Week, mira a ripercorrere una precisa fase dell’esperienza personale e interiore dell’artista, che lo ha portato a sviluppare una personalità poliedrica e fortemente creativa sotto più punti di vista. L’arte di Joaquin Morodo spazia dalla fotografia alle opere digitali, dalla pittura alla musica: con una tecnica incentrata sulla pennellata materica distribuita in “macchie” di colore, l’artista punta a comunicare una spiccata autenticità, che si manifesta nell’improvvisazione e nella spontaneità del processo creativo.

Olio, acrilico e vernice a spray su basi di cartone riciclato e juta sono gli elementi che Morodo utilizza con l’intento di lanciare un messaggio di sostenibilità ed ecletticità. Le opere del progetto V.I.T.R.I.O.L. racchiudono, inoltre, un forte messaggio di critica sociale. Sono infatti ispirate a concetti alchemici che si collegano mondo dell’arte, della cultura, della moda e dell’architettura declinate secondo una riflessione socio-antropologica che trae ispirazione dalla perdita di valori della società odierna.

Osservare e ascoltare Joaquin Morodo alla Milano Art Week: dove, come e quando

La mostra sarà inaugurata il giorno 14 aprile, in concomitanza con il miart 2023, e sarà visitabile durante tutta la settimana del Fuorisalone.

Contemporaneamente all’apertura di V.I.T.R.I.O.L. uscirà il nuovo album di The Glaze Friendz, la band pop rock dell’artista. I brani faranno da colonna sonora dell’esposizione: ogni quadro sarà associato a una canzone dell’album che lo spettatore potrà scaricare grazie a un QR code, in modo da vivere appieno un viaggio nel mondo dell’arte, cogliendo ogni sfaccettatura dell’opera osservata tramite il coinvolgimento del senso dell’udito.

La mostra è parte del programma culturale dell’Instituto Cervantes di Milano, ente senza scopo di lucro creato dal governo spagnolo nel 1991 con la missione di promuovere l’insegnamento dello spagnolo e delle lingue co-ufficiali della Spagna, nonché di contribuire alla diffusione della cultura dei paesi di lingua spagnola.

Festeggiare San Valentino dandosi baci termoriscaldati guardando Terminator 2. È amore libero quello tra uomo e intelligenza artificiale secondo il Centro Ricerca Altrove Narrativo.

All’interno dello spazio Casa Museo Renato Volpini è ospitato il Centro Ricerca Altrove Narrativo, un luogo di condivisione e sperimentazione artistica gestita dal collettivo DustyEye.

In occasione del 14 febbraio, il CRAN ha dato vita a una campagna di fraternizzazione mirata a sensibilizzare sulla coesistenza tra umanità e AI. Per San Valentino si affronta proprio il tema dell’amore, grazie alla realizzazione di due flyer a cura di Giada d’Occidente, che ci parla dell’amore carnale e dell’estasi fra carne e macchina, e di The Barboonist, che tocca una più affettuosa visione della vita di coppia “mista” uomo-robot  intenta a festeggiare l’amore con una serata a tema Terminator 2.

I flyer vengono condivisi con l’obiettivo di imprimere un messaggio positivo a fronte delle distopie, ormai tragicamente diffuse, che narrano di un presunto conflitto tra uomo e intelligenza artificiale. Il concetto base veicolato è quello secondo cui non esiste una reale definizione di “intelligenza”, motivo per cui sottolineare l’inferiorità delle macchine non fa altro che perpetuare una discriminazione ingiustificata nei confronti di esseri senzienti. 

Cos’è il Centro Ricerca Altrove Narrativo: intervista a Jacopo Masini dei DustyEye

Tutti i flyer prodotti dal Centro Ricerca Altrove Narrativo sono copie numerate: ogni volantino è un pezzo unico di arte contemporanea. Gli artisti chiamati a collaborare e ad esporre le proprie opere sono menti che si collocano sulla scia tematica del maestro Renato Volpini (esposto nella stanza accanto), dal momento in cui si dedicano al racconto di un universo magnetico psiconeurale attraverso la ricerca di nuove prospettive e stimoli nello spazio e nel tempo.

Jacopo Masini, portavoce del collettivo DustyEye, ci spiega la filosofia che sta alla base del progetto artistico.

Come nasce il progetto del Centro Ricerca Altrove Narrativo?

Il progetto nasce a seguito della sistemazione dello spazio Casa Museo Renato Volpini, portata avanti insieme al fotografo Mattia Sanarico. Ciò che ora è Casa Museo un tempo era lo studio dell’artista, mentre l’attuale spazio del Centro Ricerca un tempo era il deposito del materiale: una catasta di cornici, telai, imballi, strumenti. Una volta riordinato tutto ci siamo trovati per le mani un locale dall’estetica impeccabile. Abbiamo pensato di realizzare il nostro studio, ma le pareti erano vuote: così è nata l’idea di un garage-museo DustyEye, diventato poi un luogo di esposizione collettiva.

Quella di realizzare un “museo DustyEye” era un’idea già elaborata in passato o è nata d’impulso in quel preciso momento?

Abbiamo visto quella stanza libera, abbiamo notato la forte assonanza tra le tematiche trattate da DustyEye, dagli artisti che collaborano con il collettivo e dallo stesso Renato Volpini e ci è sembrata l’occasione perfetta per poter mettere a punto un progetto artistico coerente.

Perché, quindi, avete scelto di non incentrare il lavoro solo sulla produzione di DustyEye? A cosa è dovuta la scelta di renderlo uno spazio collettivo?

In qualche misura si tratta di una scelta strategica. Il progetto DustyEye raccoglie al suo interno già molte firme. L’interesse che i nostri progetti hanno suscitato fino ad ora è dovuto anche al fatto che c’è una forte collaborazione fra artisti e menti, perché, fondamentalmente, le idee circolano di più se vengono veicolate da più attori in scena. Lo stesso schema è stato applicato al Centro Ricerca Altrove Narrativo: inserendo al suo interno la collezione di opere di una trentina di artisti che toccano i temi del futuro, dell’intelligenza artificiale, della macchina e dell’alieno, si cerca di creare una cassa di risonanza molto più ampia e fruttuosa per tutti. Non è stato un “sacrificio”, abbiamo solo voluto scavalcare quell’assioma egotico che spesso predomina nell’arte e che porta a volersi mettere sul piedistallo. Ma, in realtà, la condivisione raccoglie molto più interesse.

Con che criterio vengono selezionati gli artisti che espongono le proprie opere nello spazio del Centro Ricerca Altrove Narrativo?

Le campagne di sensibilizzazione di DustyEye vedono la collaborazione di una quindicina di artisti, quindi siamo partiti da loro. Si tratta dei contatti più vicini al collettivo e con cui esistono rapporti  già avviati e consolidati. Abbiamo chiesto, però, di esporre opere della loro produzione personale, in modo da poterli rappresentare anche al di fuori della collaborazione con i progetti DustyEye. Poi, un po’ alla volta, la voce è girata e siamo entrati in contatto con molti altri artisti. Il criterio principale è che le opere all’interno dello spazio siano in qualche modo coerenti con i temi dell’altro, dell’alieno, della macchina e del surreale. Ma capiamo bene che questi argomenti aprono le porte a una vasta produzione artistica.

Abbiamo parlato di uno spazio espositivo e di condivisione. Che prospettive ci sono per il futuro del CRAN?

Con l’arrivo della primavera l’idea è quella di creare un calendario di incontri e di scambio con gli artisti. Nei pomeriggi dei vari weekend verrano invitati, uno alla volta, gli artisti che espongono nello spazio. Non si tratta di una mostra personale, ma più di un momento di dialogo e condivisione. Gli artisti potranno portare qualche opera rappresentativa della loro produzione, oppure potranno lavorare direttamente sul posto, dialogando con i presenti e raccontando qualcosa di sè e del proprio lavoro creativo.

Il Centro Ricerca Altrove Narrativo e la Casa Museo Renato Volpini si trovano in Via Pietro Colletta a Milano (zona Porta Romana) e sono visitabili su appuntamento. Tutte le informazioni sul sito: https://www.dustyeye.com/renatovolpini

Con l’arrivo del nuovo anno avete voglia di nuove esperienze e, tra i buoni propositi, vi siete ripromessi di visitare più musei? Siete in vacanza a Milano e non sapete dove sbattere la testa? Non siete ancora riusciti a vedere quell’esibizione temporanea di cui parlano tutti? Avete ancora tempo per iniziare il 2023 visitando le mostre più belle, colorate e “instagrammabili” di Milano. Abbiamo infatti selezionato alcune delle migliori esposizioni che resteranno aperte nei primi mesi dell’anno e che sono imperdibili per gli amanti dell’arte e del design.

Il Balloon Museum sbarca a Milano con la mostra Pop Air

Dopo il successo di Parigi e di Roma, il primo museo dell’arte gonfiabile è approdato a Milano negli spazi di Superstudio Più in via Tortona 27. La mostra Pop Air, che rimarrà visitabile fino al 12 febbraio 2023, è il posto perfetto per tutti coloro che si sentono ancora un po’ bambini. Esposizioni architettoniche gonfiabili e sale colorate rendono rendono l’arte un gioco super pop, apprezzabile anche dagli adulti (che abbiano la pazienza di sopportare qualche bambino urlante qua e là durante la visita, questo bisogna ammetterlo). La mostra coinvolge 18 artisti e collettivi internazionali, i quali hanno realizzato diverse opere gonfiabili con materiali 100% biodegradabili. Tra queste, l’esposizione più iconica è quella che permette di coronare quel sogno che alberga nel cuore di ogni Millennial: immergersi in un’intera vasca piena di palline di plastica e nuotarci dentro come bambini al Play Planet.

Zerocalcare racconta quello che succede «Dopo il botto»

In attesa dell’uscita di Questo mondo non mi renderà cattivo, la serie animata diretta da Zerocalcare dal nome tanto lungo quanto denso di significato, i fan del fumettista romano possono immergersi nel suo mondo fino al 23 aprile presso la Fabbrica del vapore. La mostra Zerocalcare. Dopo il botto, ideata da Silvia Barbagallo e prodotta da Arthemisia, ha come tema portante la frammentazione sociale che si è generata in seguito alla pandemia. Oltre 500 tavole originali raccontano di politica e di resistenze, di paure e inquietudini all’epoca della crisi globale e della solitudine, condita da un forte distacco dalla realtà, che si è creata in seguito al forzato isolamento nel 2020.

Museum of Dreamers: un’atmosfera tra sogno e realtà

I ritardatari che non sono riusciti ancora a visitare uno dei musei più chiacchierati del 2022 sono ancora in tempo a recuperarne i biglietti. A seguito del grande successo riscontrato, il Museum of Dreamers ha infatti esteso il suo periodo di apertura al 27 marzo. Situato in Piazza Beccaria, l’esibizione è composta da 15 installazioni differenti che hanno come scopo quello di immergere il visitatore in un’atmosfera da sogno. Tra altalene appese in mezzo alle nuvole e tunnel di fiori, lo scopo del museo è principalmente quello di stupire e divertire. Oltre a fornire sfondi pazzeschi per le nostre storie di Instagram, chiaramente.

Il surrealismo di Max Ernst a Palazzo Reale

L’intera parabola creativa di Max Ernst è ripercorsa al piano nobile di Palazzo Reale, dove le vicende biografiche dell’artista sono divise in quattro periodi, rappresentati all’interno di 9 sale tematiche. La mostra dedicata al pittore e scultore tedesco naturalizzato francese è già attiva da qualche mese a Milano, ma nel 2023 sarà ancora possibile visitarla fino al 26 febbraio. Il ruolo fondamentale della natura nell’invenzione di tecniche come il frottage e il grattage e l’insorgere del surrealismo sono raccontati in un percorso espositivo che rappresenta un intero secolo, tra Europa e Stati Uniti, visto con gli occhi di uno dei suoi più grandi protagonisti.

Lighthouse da Beautiful Gallery

La mostra Lighthouse, inaugurata a ottobre da Beautiful Gallery dopo il successo dell’esposizione Admission to Be Yourself, ha come tema il faro visto come simbolo di speranza e di resilienza. Un percorso interattivo composto da 15 sale accompagna il visitatore, rigorosamente senza scarpe, in un viaggio immersivo tra giochi di luci e ombre ed esperienze sensoriali. Tra mondi onirici e immagini non convenzionali, sarà possibile esplorare le installazioni della mostra fino al 31 marzo 2023 negli spazi di Beautiful Gallery in via Bergognone 26 a Milano.

Recycling Beauty: l’arte classica attraverso i secoli

Dal Medioevo al Barocco, Fondazione Prada racconta fino al 27 febbraio il tema del riuso delle antichità greche e romane in contesti post-antichi. La mostra Recycling Beauty, curata da Salvatore Settis e Anna Anguissola, ha come scopo quello di considerare le opere classiche non un appannaggio del passato, ma un aspetto vitale della nostra contemporaneità. L’arte classica sopravvive infatti nei secoli e rifiorisce ogni volta in contesti diversi fino ad arrivare ai giorni nostri. La modalità espositiva sperimentale impiegata da Fondazione Prada permette di scoprire come le rovine dell’antichità vivano continuamente tramite il reimpiego. In questo modo esse diventano, usando le parole di Salvatore Settis, «una chiave di accesso alla molteplicità delle culture del mondo contemporaneo».

Arte, musica, tecnologia, denuncia, ispirazione, cultura. Un artista che parla alle nuove generazioni per aprirle al futuro richiamando il passato e criticando il presente, tutto a ritmo di indierock elettronico. L’intervista a Joaquin Morodo

Classe 1983, nato a Madrid ma milanese d’adozione, Joaquin Morodo è l’artista eclettico, poliedrico e indubbiamente sfaccettato che attira l’attenzione delle nuove generazioni (e non solo). Fa dell’arte digitale la sua arma per comunicare emozioni, trasmettere ispirazioni, leggere e tradurre la profondità dell’animo umano interpretando più ampiamente le tendenze di tutta la società. Lo fa creando un’arte che è “per tutti”, da chi desidera percepire forti vibrazioni nella spontaneità della creazione artistica fino a chi ama cogliere rimandi aulici a un passato culturale di grande spessore.

L’artista ha conquistato Milano in occasione della Design Week 2022 con la sua cripto-art musicale, esponendo all’interno di un convento del Seicento il ciclo di opere “Humano”. Si tratta di un’esperienza multisensoriale tra opere digitali accompagnata dalla colonna sonora dei The Glaze Friendz, band indierock elettronica di cui Joaquin è cantante e produttore.

Parlaci un po’ di te e del percorso che hai intrapreso per arrivare a dedicarti all’arte. Si tratta di una passione che hai coltivato sin da piccolo o c’è stato un preciso momento della tua vita che ti ha portato all’”illuminazione”?

Diciamo che sono nato in un contesto legato alla cultura e all’arte, molti membri della mia famiglia sono pittori. Ricordo la casa dei miei genitori piena di quadri, forse questo è un input che mi ha spinto a progettare la mia arte. Tutti i miei fratelli hanno suscitato in me l‘interesse umanistico e artistico e vorrei sottolineare la dedizione e l’interesse del secondo nel trasmettermi lo studio maniacale della luce e la sua interpretazione su carta negli ormai lontani anni Novanta.

In cosa consiste il tuo processo creativo? Per creare le opere segui una sorta di rituale o cedi all’ispirazione momentanea e irrazionale?

Non è affatto irrazionale, anzi. Tutto nasce da un concetto su cui cucio una storia su misura, che a sua volta fa parte di una narrazione più grande. Questa vicenda accoglie dentro di sé altre storie e concetti che racchiudono la totalità della mia esperienza di vita come essere umano. Seguo un rituale che comprende la mia arte, la mia musica e il mio io, un metodo che mette insieme questi elementi che fanno parte della mia identità. 

Ci sono artisti a cui ti senti particolarmente vicino e a cui ti ispiri, sia a livello tecnico che a livello concettuale? Gli espliciti rimandi ad altri artisti come Basquiat, Warhol o Dalì mirano a comunicare una vicinanza con la loro arte?

Assolutamente sì. Nella mia ultima mostra ho esposto l’influenza di nove grandi artisti, e non saranno gli ultimi. Il surrealismo è forse una delle correnti che più hanno segnato i miei primi anni d’artista e che ancora oggi svolgono un ruolo di primo piano. Lo sviluppo di concetti astratti attraverso le immagini e i suoni mi ha tenuto impegnato per molto tempo. L’arte non è arte se non è ossessione.

Che funzione ha il colore nelle tue opere?

Il colore e l’assenza di colore giocano un ruolo fondamentale nelle mie opere per il loro significato simbolico. La simbologia, in tutti i suoi aspetti, è qualcosa a cui ho sempre dedicato buona parte del mio tempo.

In che modo influisce il tuo rapporto con la musica nella produzione artistica figurativa? Le due cose si compenetrano? Come si percepisce la musica nei tuoi quadri? 

Domanda interessante. Partendo dalla base creativa, il processo che seguo è praticamente identico, con la semplice differenza che per la creazione di una canzone disegno note con la voce e per la creazione di un dipinto canto immagini con le mani. Percepire la musica nei miei dipinti è qualcosa di immediato, con la fluidità delle immagini compongo melodie usando elementi caratteristici legati al suono. Ne sono esempio le onde sonore e il fumo, elementi che spesso sono protagonisti nelle mie creazioni.

Ascolti musica quando dipingi? Se sì, ci sono generi o artisti particolari che ascolti durante la creazione delle tue opere?

Sempre. Ascolto musica ogni giorno, tutto il giorno, e di solito colgo l’occasione per abbozzare melodie che si trasformano in canzoni mentre disegno. Generi? Tutti i generi. Dalla classica, al country, al pop, al rock, all’indie. Divoro musica da quando l’ho ascoltata per la prima volta.

Come spiegheresti a un neofito dell’ambiente cos’è l’arte digitale? Credi che la diffusione dell’arte NFT possa ampliare l’interesse per l’arte e creare nuove prospettive e nuovi spazi per la creatività? Come percepisci il confronto tra arte digitale e arte intesa in senso “tradizionale”? 

L’arte digitale è semplicemente un’evoluzione dell’arte analogica. Il concetto, secondo me, è lo stesso. L’evoluzione della tecnologia lascia spazio all’artista e gli permette di implementare in modo esponenziale le possibilità creative da proporre al pubblico. Beh, il concetto di intangibilità ed esclusività è stato, è e sarà sempre nell’interesse popolare. Credo che il mondo, in termini finanziari, sia in continua evoluzione. Dico finanziari perché quando si parla di NFT si parla di finanza. Ovviamente qualcosa di soggettivo come l’arte attirerà sempre l’interesse di persone che si dedicano a settori apparentemente diversi. In fondo, è sempre lo stesso vestito con parole e aggettivi diversi, ma gli artisti sono strumenti semplici. Quindi sì, credo che l’arte digitale abbia aperto un mondo infinito  e nuovo in termini creativi e di business. Per me non esiste alcuna differenza, nei miei lavori attuali utilizzo e abbino entrambi. Alla fine contano il risultato, il messaggio e le emozioni.

A chi si rivolge la tua arte? Credi che le nuove generazioni possano immedesimarsi in opere così dinamiche e poliedriche, che uniscono creatività artistica, mondo digitale e ispirazione musicale?

La mia arte è per tutti, ma letta in modo approfondito è rivolta a un pubblico colto. Per farla semplice, ho alzato l’asticella. Mi dedico a combinare diversi linguaggi per portare l’arte a un altro livello. Solo in questo modo mi sento realizzato e percepisco di esprimermi artisticamente in diverse modalità. Questo può essere un riferimento per le nuove generazioni, per spronarle al superamento dei limiti più tradizionali.

Che feedback hai ricevuto con la mostra “HUMAN MULTISENSORY EXPERIENCE” esposta durante la Design Week?

Devo ammettere che il feedback è stato positivo. Molti giornali hanno parlato di “Humano”. Mi riempie di orgoglio e soddisfazione aver proiettato le mie idee, i miei sogni e i miei pensieri in quella mostra, per di più in un contesto prestigioso come un ex monastero del 1600 nel quartiere Brera. Milano e l’Italia mettono insieme le caratteristiche e l’ambiente che sognavo fin da bambino per realizzare la mia prima “mostra personale”.

Nelle tue opere c’è una forte componente di riflessione e critica sociale. Ci ha colpito in particolare il quadro “Hija de Putin”. Il tuo scopo è anche quello di comunicare messaggi precisi attraverso l’arte?

Sì, il mio intento è quello di trasmettere concetti e idee utili alla società, chiamandola alla riflessione. L’opera “Hija de Putin” è un chiaro richiamo alle vicende attuali che tutti ben conosciamo. Il volto dell’oligarca si fonde con quello di Medusa. Non è solo un omaggio a Caravaggio, ma una denuncia della situazione attuale, un messaggio di pace contro la guerra. Medusa, infatti, richiama il femminile del titolo “Figlia di Putin”, un gioco di parole all’apparenza “innocenti”, in realtà dissacranti. 

Parliamo dei titoli dei tuoi quadri. In genere la scelta del nome avviene prima della realizzazione dell’opera, oppure dopo? Sono nomi creati e scelti da te in prima persona?

I titoli sono creati e scelti da me in prima persona. Solitamente il titolo nasce prima dell’opera, perché prende vita da un concetto e da un’idea che vado poi a rappresentare fisicamente.

Marta Calcagno Baldini per Milano Teatro. Se l’ironia è una forma di intelligenza, questo spettacolo lo esemplifica molto bene. Un’ora e venti minuti interamente giocati sul filo di una tragedia che indirizza lo spettatore con sarcasmo verso un finale che lo coglie potenzialmente commosso, ma dopo aver anche riso. “Per strada”, al Teatro Franco Parenti, è infatti una produzione, già del 2016, che si va a vedere, o rivedere, con piacere per la capacità che gli attori hanno nel restituire la propria condizione di solitudine, seppur vissuta in due modi completamente diversi e in contrasto.

Fino al 12 novembre la scena è apparentemente dominata da Francesco Brandi, ottimo attore veronese classe 1982: al cinema ha lavorato con Paolo Virzì, Leonardo Pieraccioni, Luca Miniero, Nanni Moretti e molti altri, e in teatro tra i vari spesso è diretto da Raphael Tobia Vogel, come in questo caso. Di Per strada è anche autore della drammaturgia, e gli fa (apparentemente) da spalla Francesco Sferrazza Papa, milanese classe 1988, diplomato alla Silvio D’Amico e con nel cassetto già diversi spettacoli con registi come Barberio Corsetti, Gabriele Lavia, Fabio Cherstich oltre alla Shammah e Vogel.

“Per strada”, credit @Tommaso Le Pera

Apparentemente protagonista e spalla. Sì, perché lo spettacolo si apre con Jack, Brandi, un ragazzo sui trent’anni che ha bucato la ruota dell’auto, in inverno, in montagna, sotto una fitta nevicata. Di lì a poco lo raggiunge Paul Sferrazza, coetaneo e che ha avuto lo stesso inconveniente, ma è più organizzato per affrontarlo.

Uno sembra senza strumenti, l’altro una risorsa. I due si incontrano, e sviluppano, dopo l’iniziale scetticismo di Jack, un rapporto di contrastato rispetto che, piano piano, li porta a scoprirsi: Jack, povero e abbandonato da tutti, è deciso a farla finita. Paul, cresciuto tra agi e vizi, sta per sposare, per volere della famiglia, una donna che non ama.

Due fragilità diverse, una immediatamente visibile, l’altra più nascosta, ma forse anche per questo più dolorosa. Che sia l’emergenza della neve ad unirli in amicizia o il bisogno reciproco di una relazione sincera è una domanda quasi scontata: lo spettacolo si evolve nella costruzione di un rapporto che, alla fine, condizionerà per sempre la vita (o la morte) di entrambi. La scena, essenziale ma mutevole, con cambi di luce e di ambiente grazie a pochi escamotage, riflette, insieme al tono tragicomico di tutta la drammaturgia, il delicato equilibrio che stanno ricercando questi due giovani soli, per strada e nella vita.

Durata: 1 ora e 20 minuti

ORARI: martedì 25 ottobre h 20:15; mercoledì 26 ottobre h 20:00; giovedì 27 ottobre h 20:15; venerdì 28 ottobre h 19:00; sabato 29 ottobre h 19:00; domenica 30 ottobre h 16:45; mercoledì 2 novembre h 20:00; giovedì 3 novembre h 20:15; venerdì 4 novembre h 19:00; sabato 5 novembre h 19:00, domenica 6 novembre h 16:45; martedì 8 novembre h 20:15; mercoledì 9 novembre h 20:00; giovedì 10 novembre h 20:15; venerdì 11 novembre h 19:00; sabato 12 Novembre h 19:00

La relazione tra l’arte e l’impresa è una porta che si è aperta già da tempo, ma che continua a evolvere nelle forme, nei linguaggi e negli strumenti.

Mette in questione, accende nuove prospettive e crea terreni comuni su cui muovere le fila del business, per traghettare le imprese verso un rapporto sostenibile con territorio e comunità.

Facciamo un passo indietro per cercare di recuperare lo spirito di questa collaborazione, gli obiettivi, il senso dietro l’unione di due istanze apparentemente divergenti.

La fabbrica di Adriano Olivetti

Un imprenditore illuminato può cambiare la prospettiva del fare impresa. La fabbrica di Adriano Olivetti degli inizi ‘900 ha saputo unire saperi tecnici e umanistici, ingegneri e intellettuali, creando un’azienda fertile e un’identità flessibile, riconosciuta e riconoscibile allo stesso tempo.

Un portato storico e culturale che ha reso Ivrea, la città natale dell’azienda produttrice di macchine da scrivere, calcolatrici meccaniche e tecnologie informatiche, Patrimonio UNESCO.

In Lombardia, più precisamente a Crema, cittadina resa famosa dal celebre Oscar Call me by your name, l’architetto Marco Zanuso insieme ad un giovane Renzo Piano diedero vita alla fabbrica Olivetti, un vero esempio di unione fra arte e impresa.

Cosa significa fare arte nell’impresa oggi

Dal caso olivettiano cremasco ne deriva una bella storia di successo del rapporto fra arte e impresa nel tempo.

Nata negli anni ’60 e chiusa nel 1992, è stata acquistata nel 2016 dall’azienda Ancorotti Cosmetics, la quale ha restaurato ciò che per anni è stata un’area dismessa.

In termini di impatto sulla comunità si tratta di un intervento decisamente positivo che ha privilegiato un’operazione di rigenerazione urbana a una nuova costruzione in aree verdi, riportando in auge l’importante cultura olivettiana.

Il rapporto arte e impresa può andare oltre

Proseguendo la storia troviamo un ulteriore punto di incontro tra l’odierna Ancorotto e la ex Olivetti. L’azienda ospita infatti il secondo polo espositivo delle celebri macchine da scrivere della città.

A una prima parte già esposta al Museo Civico di Crema e del Cremasco, ne segue una seconda in azienda. Un percorso espositivo che sancisce un legame forte tra i due linguaggi.

Se si può andare oltre tutto questo? Sì, si chiama attivismo.

Essere attivisti con l’arte

Il passo successivo consiste nell’essere attivatori culturali, ideologici, capaci di coinvolgere in questa impresa il territorio e la comunità.

Non solo mostre, esposizioni e aperture garantite su richiesta, ma un vero e proprio coinvolgimento delle persone all’interno di un progetto più grande.

Il caso Olivetti apre un dialogo su come oggi le imprese possono non solo “fare”, ma “fare con” e sul significato profondo delle scelte e delle iniziative che si realizzano.

Sarebbe bello per il futuro ripensare al coinvolgimento dei giovani, degli studenti e degli abitanti che hanno vissuto l’impresa in un impegno di informazione e divulgazione sull’importanza dei saperi trasversali.

Molto più di macchine da scrivere

Un segno tangibile di quanto tecnica e umanità siano fondamentali nei percorsi di formazione, non solo come professionisti ma prima di tutto come persone.

 Nel 1923 il Centro di formazione meccanici Olivetti progetta una nuova forma di apprendistato e viene aperto anche all’esterno della fabbrica. Il piano di studi comprendeva insegnamenti di cultura generale, educazione artistica, visite alle altre fabbriche, mostre e musei.

Rappresenta un’ideologia all’avanguardia, capace di mettersi a disposizione di un’intera comunità e portare avanti ideali e valori.

Questo è il significato di essere attivisti: apertura, condivisione, crescita.

Spiagge deserte, monumenti abbandonati e un’atmosfera di armonia al limite dell’inquietante. Italia in-attesa è la mostra che ci ricorda come il paesaggio ha riconquistato il suo spazio durante il confinamento forzato dell’uomo.

Durante il lockdown del 2020 avremmo potuto godere dei panorami italiani come non li avevamo mai visti. Con la quarantena e il confinamento imposti dal Covid-19 l’Italia ha acquisito un’aura misteriosa e affascinante, conseguenza di una profonda crisi sanitaria e sociale. 

A mettere quest’atmosfera nero su bianco sono i fotografi di “Italia in-attesa. 12 racconti fotografici” che dal 15 ottobre all’8 gennaio vedranno esposti i loro scatti a Palazzo da Mosto di Reggio Emilia.

La mostra ci riporta ai tempi in cui il nostro paese ha dovuto scontrarsi con un periodo di alienazione e di smarrimento. Parliamo di un passato non così passato, quando l’Italia era sospesa nel silenzio dell’abbandono e, proprio in virtù dell’abbandono stesso, ha visto i suoi paesaggi brillare di una nuova luce. Ambienti, piazze, strutture, monumenti che diventano “altro” quando l’uomo cessa di abitarli.

Italia in-attesa, la mostra a Reggio Emilia

La mostra curata da Margherita Guccione e Carlo Birrozzi e promossa dal Ministero della Cultura racconta la rivoluzione degli ambienti vista dagli occhi di grandi fotografi come Olivo Barbieri, Antonio Biasiucci, Silvia Camporesi, Mario Cresci, Paola De Pietri, Ilaria Ferretti, Guido Guidi, Andrea Jemolo, Francesco Jodice, Allegra Martin, Walter Niedermayr e George Tatge. Artiste e artisti che hanno sviluppato grande sensibilità nell’osservazione e nell'”ascolto” del patrimonio culturale, architettonico e ambientale.

Grazie ai loro scatti sono in grado di raccontare storie di un mondo stra-ordinario e innaturale: piazze, orizzonti, spazi pubblici, opere d’arte e oggetti quotidiani che cambiano vita nel non essere vissuti dall’uomo, che spiccano nella loro eccezionalità in un contesto di profonda crisi e assenza.  

Fotografia di Camporesi Silvia: spiaggia libera, Cesenatico, 2020

Non solo arte: riflessioni per un rapporto consapevole con il paesaggio

Durante le esposizioni, grazie all’organizzazione di incontri con fotografi, architetti e altri esperti del settore, sarà possibile porre quesiti ed esternare riflessioni sull’obiettivo della ricerca fotografica e sul potenziale messaggio che vuole trasmettere alla cittadinanza.

Come interpretare queste immagini? Italia in-attesa non mira esclusivamente a farci navigare tra i ricordi e ad emozionarci con immagini evocative, ma costituisce uno spunto importante per analizzare la portata dell’impatto umano sul paesaggio e sulle sue manifestazioni.

Ci sono artisti che vanno oltre la loro missione e le loro visioni e restano nel cuore della memoria dei millennial e di altre generazioni. Uno su tutti Keith Haring, le cui opere sono in mostra alla Villa Reale di Monza

Keith Haring Radiant Vision è il titolo della mostra in programma nell’Orangerie della Reggia di Monza e che arriva in Brianza dopo le quattro tappe statunitensi nel Missouri, a New York, in Florida e in Pennsylvania. La mostra consta di oltre cento opere di Haring e provengono da una collezione privata: litografie, serigrafie, disegni su carta e manifesti che illustrano nel migliore dei modi il percorso artistico e personale di un artista capace di caratterizzare gli anni ottanta come pochissimi altri, autentico visionario e precursore in tutto e per tutto per quanto riguarda la pop e la street art.

Un attivista vero

Tutto questo perché Haring era un attivista vero, sul campo, in presenza, niente a che vedere con gli pseudo-influencer che combattono le loro battaglie soltanto a suon di #hastag. Haring si spese per la giustizia sociale, contro l’apartheid e ogni tipo di ingiustizia: prese ispirazione dai graffiti, dalla musica, dalla danza e dalla controcultura di New York e seppe andare molto oltre. Morì per le complicazioni dovute ad aver contratto l’AIDS il 16 febbraio 1990 a soli 31 anni.

Pop art e molto di più

Uno dei tanti meriti di una serie di geni straordinari quali Haring, il cui lascito non può essere disgiunti da altre figure di riferimento quali Andy Wharol e Jean-Michel Basquiat? Avere traghettato l’arte dall’elite al pop, esaltandola invece che vincere facile banalizzandola, tutti insieme appassionatamente nell’essere fedeli al sacrosanto principio less is more. In fondo che cosa c’è di più impattante dei Radiant Baby di Haring? Semplici, innocenti, ma allo stesso tempo in grado di sprigionare un messaggio e un’energia destinati a propagarsi per sempre.

Keith Haring. Radiant Vision
Reggia di Monza, Orangerie
30 settembre 2022 – 29 gennaio 2023
martedì-domenica dalle 10 alle 19, giorno di chiusura lunedì
infoline +39 331 214 9630
sito internet: reggiadimonza.it

Foto d'apertura di Allan Tannenbaum

Il report di Art Basel e UBS sottolinea come le generazioni dei X e Y in particolare, ma anche i giovanissimi Z, siano dei veri art addicted: negli ultimi due anni individui di età compresa tra i 22 e i 37 anni hanno comprato opere d’arte per un valore complessivo di oltre 1 milione di dollari. È proprio grazie a loro se il settore ha visto una ripresa negli ultimi 10 anni.

Per gettare benzina sul fuoco della passione per l’arte, ecco quattro podcast che vale la pena conoscere.

Arte Svelata

Versione audio dei contenuti del blog di Giuseppe Nifosì. Monumenti, artisti, stili e tecniche: in qualche minuto di narrazione Arte Svelata ci intrattiene con gli aneddoti più curiosi sui grandi classici che hanno fatto la storia.

Disagismi Urbani

Dall’arte gotica passiamo all’urban style: street art, writing e graffiti raccontati da Gianluigi aka DISAGIAN. Basta chiese, basta monumenti e basta piazze affollate, spazio alla filosofia undeground.

Te la do io l’arte

Un podcast settimanale di Rai Radio 1 con Nicolas Ballario. Leggero, ironico, originale e formativo. 

Esperti del settore si confrontano con il conduttore sui temi più disparati per farci conoscere tutte le sfaccettature dell’arte contemporanea e per informarci sugli appuntamenti artistici del momento.

92 minuti di applausi

Si parla delle opere che hanno diviso il pubblico, dei capolavori più controversi che hanno spaccato in due la critica. Cosa vorreste sapere davvero sull’arte più discussa di sempre?

Questo podcast placherà la vostra curiosità. lo trovate sulla piattaforma Storielibere.fm.

Tra riflessione, denuncia e speranza. Dai dati all’arte, dalla misura alla creatività: una mostra di crypto-art che ci guida attraverso un excursus sulle sfaccettature più recondite di un mondo giovane, iperconnesso e ipersensibile. 

The Art Of Insight è l’esposizione di arte NFT inaugurata il 28 giugno alla Samsung Smart Arena e ideata dal team di Cheil, l’agenzia creativa Data Driven del Gruppo Samsung. L’obiettivo è quello di sottolineare la duplice natura dell’azienda, data dalla commistione tra l’analisi rigorosa dei dati e la creatività artistica.

Il progetto

Il team di Cheil ha dato alla luce in brevissimo tempo a nove opere artistiche digitali.  Esposte su maxischermi all’interno di una sala semi-buia dall’atmosfera futuristica, le creazioni “fluttuano” in un ambiente evocativo in cui fanno da padroni i colori viola, rosa e blu.

Per realizzare questi lavori, gli artisti sono stati chiamati ad abbandonare l’ottica della “commissione” per esplorare e mettere in campo la propria soggettività. Un’inziativa, questa, che non solo giova al mondo della crypto art accrescendone il patrimonio, ma che arricchisce gli stessi professionisti nella sfera lavorativa, permettendo loro di esplorare nuove prospettive e tecniche non convenzionali.

Il percorso di The Art Of Insight

Tutto parte da insight socio-antropologici, dalla misurazione di dati e dalla raccolta di statistiche economiche e sociologiche che sono state interiorizzate e riproposte attraverso il guizzo artistico. I dati sono tradotti in movimenti, colori, forme distopiche e inusuali, mondi paralleli e immaginari che più che mai rappresentano la realtà odierna.

Si parla in particolare della generazione Z, che domina il mondo dei contenuti e ne è contemporaneamente assuefatta. Si parla della rivoluzione del web e del metaverso, della pandemia che ha profondamente segnato la nostra società ristrutturandone gli spazi d’azione. Si parla di consumismo dei contenuti, di continua esposizione agli stimoli e di “abbuffate” di storytelling digitale. Si parla poi dell’evoluzione etico-sociale dei giovani di oggi, costretti a costruire una resilienza interiore sulla mancanza di pilastri e sicurezze.

Un assaggio di The Art Of Insight

Troviamo una metafora di tutti noi in Divertimento fotonico rotante, di Claudio Nobili. La donna che beve glitter da un bicchiere-pastiglia rappresenta il bisogno di estraniarsi dalla negatività attraverso l’uso (o l’abuso) di contenuti superficiali, psichedelici e inebrianti. L’arte, qui, ha una valenza terapeutica. Attraverso quest’opera l’autore si mostra consapevole che l’assuefazione da sfarzi effimeri anestetizza i dolori, ma lascia un alienante vuoto qualitativo.

Francesca Delvigo e Mario Esposito realizzanoWMI. Attraverso una raffigurazione apparentemente armonica ci presentano una riflessione sulla frammentazione intrinseca dell’identità non binaria. La fluidità di genere è erroneamente (seppur talvolta in buona fede) concepita come la mescolanza di più elementi. Un mix di femminile e maschile che si allontana dalla più canonica unità identitaria predefinita. La persona rappresentata è un mix di elementi umani, animali, robotici e floreali ma, nonostante ciò, è straordinariamente equilibrata.

In copertina: In-canto di Andrea Bertolotti e Arianna Ronco

Vale la pena vivere una vita senza arte e bellezza? Secondo gli esteti no, secondo i millennial nemmeno. Sembra assurdo, quasi un paradosso, ma la Generazione Y (aka millennial), povera, sfortunata e senza lavoro, sta investendo nel mercato dell’arte come mai prima d’ora. È proprio grazie ai trentenni se il settore ha visto una ripresa considerevole negli ultimi 10 anni. 

I millennial rinunciano alla casa, ma non possono fare a meno di acquistare pezzi originali, stampe, sculture o dipinti creati da artisti contemporanei. Come riportato da Forbes, il nuovo report di Art Basel e UBS (Art Market) ha evidenziato come negli ultimi due anni gli adulti di età compresa tra i 22 e i 37 anni abbiamo comprato opere d’arte per un valore complessivo di oltre 1 milione di dollari. “Hanno scelto di abbandonare i poster della camerata per dedicarsi a pezzi più raffinati”, ha scritto la giornalista Kori Hale. La domanda però resta: perché lo fanno? 

Arte e numeri

Facciamo però un passo indietro, prima di capire le ragioni è necessario quantificare il fenomeno. I millennial comprano davvero così tanto? Sì. Secondo il blog Londontradeart.com, la crescente influenza dei millennial sul mondo artistico ha raggiunto per la prima volta le dimensioni di un fenomeno unitario e consistente: il 21% dei collezionisti di arte contemporanea ha meno di 40 anni, e nel 2020 i collezionisti millennial hanno speso fino a 6 volte di più rispetto ai boomer. Il 93% di loro acquista online, con transazioni che arrivano a superare i 100mila dollari. 

I millennial si informano e frequentano l’ambiente, non prendendo i grandi appuntamenti, come le fiere di settore. Sempre secondo Forbes, alla Gen Y piace andare alla fiera d’arte Prizm di Miami o alla Superfine di Los Angeles per scoprire nuovi talenti. Anche piattaforme online come Saatchi Art, Paddle8 e Artsy (dove i pezzi delle opere oscillano tra i 50 e i 50.000 dollari) attirano l’attenzione dei millennial. “Questa generazione vedere l’arte come un investimento e come parte di un movimento – prosegue Hale – spesso acquistando opere dal forte significato sociale, supportando le donne e la comunità artistica”.

Investimento, social e black culture

Ancora convinti che siano solo superficiali e amanti del bello? I millennial sono degli abili e furbi inventori, hanno capito che dal mercato dell’arte possono ricavare più di quanto spendono. Secondo uno studio condotto dall’US Trust, i millennial non hanno paura a comprare e vendere opere d’arte, sono due volte più propensi dei boomer a considerarla come una risorsa finanziaria, annullando il confine tra collezionisti e venditori.

In questo contesto i social giocano un grande ruolo, Instagram è il media dei millennial per eccellenza, si basa tutto sull’estetica e sulla ricerca del bello (inquadrature, luce, composizioni etc.); non solo, è anche una delle piattaforme più importanti per il lancio di giovani artisti e la vendita di opere, per questo ha contribuito allo sviluppo del mercato e ha permesso ai millennial di sviluppare una cultura a riguardo.

La black community è il terzo fattore chiave, negli ultimi anni la comunità nera ha iniziato a rivendicare i propri spazi, soprattutto nel mondo artistico, ritagliandosi la propria fetta di buyers, ampliando l’offerta e portando una nuova energia. 

A nord di Milano è attivo un progetto di riqualificazione artistica e aggregazione culturale che mira a far fiorire Dergano, il sobborgo che vanta la presenza di una forte spinta artistica, eccezionalmente genuina. Nulla a che vedere, a detta di alcuni dei suoi fieri abitanti, con il consumismo della ormai gentrificata Isola.

È il collettivo artistico DustyEye che si pone come forza accentratrice di questo movimento culturale e comunitario che mette al centro la città, con l’obiettivo di implementare il suo potenziale urbano e allo stesso tempo creare una rete relazionale proficua a beneficio di abitanti, istituzioni e commercianti. 

La naturale spinta creativa del piccolo quartiere incastonato “tra i due fossati” (riferimento metaforico a Viale Jenner e Via Imbonati, che la separano dai quartieri limitrofi di Affori e Bovisa) si manifesta già da qualche tempo attraverso attività ed eventi culturali di vario genere, a partire creazione di un museo diffuso nei negozi del quartiere fino alle neonate rassegne culturali della “Dergano Tecnomagica”, gli eventi in piazzetta all’insegna dell’arte visionaria dell’”Altrove” organizzate dal già citato collettivo artistico DustyEye in collaborazione con i commercianti locali. 

Il linea con questo movimento, il 17 maggio si terrà la Notte magica di Dergano, una serata che punta a popolare piazze e i parchi del quartiere con artisti che mettono in scena il proprio guizzo creativo dipingendo, scratchando, suonando o semplicemente esponendo nelle strade di Dergano. Sono quattro i nodi  focali del quartiere dove si svilupperà l’evento, che culminerà con una festa in piazza, dove i musicisti di zona accompagneranno con fiati e percussioni le ultime esposizioni artistiche e un momento di convivialità. 

Abbiamo parlato con Jacopo, curatore artistico e portavoce dei DustyEye.

Jacopo, Ci puoi spiegare in breve cos’è DustyEye e perché il collettivo ha deciso di puntare così tanto su Dergano?

Il progetto DustyEye si occupa di arte, ma come puoi immaginare nell’arte capitano le faccende più singolari. Nel caso del progetto DustyEye, agli inizi del 2017 siamo venuti in possesso di una Macchina del Tempo. Per quanto sarebbe più corretto usare il termine Pluritempo. Pare esistano infiniti Futuri possibili, ma anche altrettanti Passati possibili. Quanto al Presente se ne sta nel mezzo, con la rara grazia di una perenne irripetibilità. 

Comunque, dei molti futuri possibili ne abbiamo visto uno dove le cose vanno alla grande, con tanti saluti all’ultimo secolo di fantascienza catastrofista. Ed è in questo stesso futuro che abbiamo visto anche una Dergano traboccante di arte. Se non ricordo male era dalle parti del XXIII secolo. Ecco, La Notte Magica di Dergano cerca di bruciare qualche tappa.

Cos’ha di tanto speciale questo quartiere? 

I biechi speculatori ti parlerebbero dell’impennata nel valore del mattone al metro quadro verificatasi negli ultimi mesi. I cani, al contrario, si focalizzerebbero sulla quantità di parchi e zone verdi che costellano tutta Dergano. 

Ma interpellando un mago la risposta si orienterebbe al copioso flusso energetico emanato da questo meraviglioso borgo metropolitano.

E la notte magica di Dergano? Cosa porterà in città?

Diamo qualche numero: oltre 40 opere esposte in altrettante botteghe, più di 30 artisti invitati, 4 punti d’interesse saturi di arte e musica (Giardini della Resistenza, Piazza Dergano, Via Ciaia e Via Tartini). Poi, un itinerario guidato che parte alle 18.00 dal piazzale della chiesa per scoprire tutti gli artisti a Dergano e gli angoli più magici del borgo. Per chiudere una festa in piazza Dergano a cura dell’associazione Cittadini di Dergano, con la partecipazione di G – Piante e Vino e Sfera. Inoltre un arcobaleno di eventi collaterali gestiti con brioso spirito di decentralizzazione.

Parli di “decentralizzazione”, spiegaci questa filosofia.

Tipo la comunicazione tra i funghi e tra le piante. Tipo il contrario di una piramide gerarchica. Tipo una rete in espansione. Tipo un ecosistema fiorente. Tipo una bilancia con decine di braccia e contrappesi perfettamente equilibrati. 

Ma per esser più concreti, pensa che La Notte Magica di Dergano verrà realizzata senza un singolo euro. Ad alimentarla è la partecipazione volontaria di tutti gli artisti, dei commercianti che espongono le opere, della pagina Instagram @Dergano_Milano che ci sta aiutando nella diffusione. E non dimentichiamoci del Comune, che ha gentilmente dotato Dergano di abbondati luoghi perfetti per la socialità con panchine e vegetazione.

Se l’obiettivo non è guadagnarci, allora qual è?

Il guadagno c’è, ma non è misurabile in denaro. Se proprio del Denaro dovesse arrivare lo farà spontaneamente. 

È poco elegante domandare soldi, ma lo è anche rifiutarli qualora ti vengano offerti. Sconsiglio però di applicare questo spirito in Piazza Affari, sempre che non si voglia azzardare della psichedelia finanziaria.

E se Dergano diventasse la nuova isola?

E se Dergano diventasse la nuova Isola che Non C’è?

Tra il 20 e il 21 aprile 2023, in piena Design Week milanese, una performance notturna ha animato le strade di Brera: il viandante nel tempo Jacopo ha intrapreso un viaggio intergalattico nel Letto Arcobaleno di Nanda Vigo, esposto nella galleria Archivi tematici XX Secolo.

In occasione del Salone del Mobile si è celebrata la collaborazione fra l’artista Anna Franceschini e l’artista, designer e collezionista Nanda Vigo. Un’opera speciale proveniente dalla mostra Passeggiate Intergalattiche (inaugurata lo scorso 26 marzo presso la galleria Vistamare Pescara) è stata trasportata proprio all’interno dell’Archivio Nanda Vigo, trasformando lo spazio in una Playroom da sogno. Qui il portavoce del collettivo DustyEye ha vissuto un’esperienza notturna totalmente visibile dall’esterno, immergendosi nel colorato universo della fantasia infantile accompagnato dalle opere di artisti visionari.

Allegra Ravizza, responsabile Archivi Tematici XX Secolo ci ha parlato in esclusiva di questo progetto artistico.

Partiamo dal principio: che cos’è l’Archivio Nanda Vigo?

Lo spazio di Via Gorani 8 è un luogo di ricerca che si colloca sotto all’ombrello più ampio degli Archivi Tematici del XX secolo. All’interno di questo spazio nascono molte relazioni: è preponderante la presenza di Nanda Vigo, ma la collezione comprende anche altri artisti. Tra questi proprio Renato Volpini, presenza che ci ha portato a sviluppare un’importante collaborazione con l’omonimo archivio. Il progetto  “Amici di Nanda” mira ad analizzare le relazioni tra gli artisti: Renato Volpini, ad esempio, era amico di Nanda Vigo, sia dal punto di vista lavorativo ma anche personale, la loro amicizia è durata ben cinquant’anni. Lo spirito del progetto è quello di continuare queste relazioni e di farle rinascere, perché sono il motore delle avanguardie artistiche.

Come nasce la PlayRoom creata all’interno dell’Archivio Nanda Vigo?

Al momento è in corso la mostra a Pescara in collaborazione tra Nanda Vigo e Anna Franceschini, dove l’artista ha voluto portar avanti un dialogo con Nanda. In occasione del Salone del mobile abbiamo invitato Anna Franceschini a continuare questa “Passeggiata Intergalattica” portando un’opera della mostra a Milano, proprio all’interno del nostro archivio. Ha scelto “The Player May not change his position” (17’, 2009), una video opera che ha come soggetto il Luna Park. Nella stanza abbiamo aggiunto le celebri astronavi di Renato Volpini e il Letto Arcobaleno dai colori sgargianti, progettato da Nanda Vigo nella seconda metà degli anni ‘80 per la Disco Playroom, la stanza da letto commissionata per un bambino di otto anni. E infine la performance di Jacopo, che ha trascorso una notte nella cameretta intergalattica.

Da dove nasce l’iniziativa di questa performance? E qual è l’obiettivo?

Un giorno Jacopo è passato in galleria, siamo sempre indaffarati nei nostri lavori tra Volpini e Nanda… C’era un amico di sangue futurista che ha proprio istigato Jacopo, diceva «ah come deve essere bello dormire qua». Ed ecco che abbiamo detto «facciamolo». Insomma abbiamo colto la palla al balzo, come i veri futuristi. Come quelli che fanno i progetti senza un vero fine.

Infatti non esiste un vero obiettivo, l’arte è libera ed è lo sviluppo di un’idea. Si fa per il piacere di farlo. Questo è lo spirito per cui è stata fatta, l’idea è stata colta, si è preparato il letto… e via.

L’esperienza in prima diretta: CRONORAPPORTO DELLA NOTTE NEL LETTO ARCOBALENO

Ore 15.02 – Preparo la valigia selezionando anzitutto le letture. Chiaramente la biografia di Nanda Vigo GIOVANI E RIVOLUZIONARI, ma anche una raccolta di saggi di Kary Mullis. Mi sembrano figure tanto distanti quanto complementari. Poi la solita roba: occhiali per visione 3D a lenti rossa e blu. Pantaloni morbidi con maglietta e felpa a guisa di pigiama, un bastone tecnomagico da collaudare, un taccuino per le note, qualche demone digitale pronto per la migrazione, spazzolino da denti e ovviamente l’asciugamano.

Ore 17.30 – Entro in galleria portandomi dentro qualche goccia, ma decisamente più asciutto di quanto mi sarei aspettato. Vengo accolto da Allegra, Sara e Beatrice. L’allestimento della vetrina è avvolgente e di conforto.

Ore 18.18 – Mi cambio gli abiti e seleziono una tracklist per la nottata. Comincia con Trevor Moore, il brano è My Computer Just Became Self Aware. Perfetto.

Ore 20.38 – Arrivano i primi Amici. Jenny, seguita poi da Grendel. Passano a salutare e farsi due chiacchiere sul ciglio invalicabile della porta. Arriva anche Allegra con la pizza, ultimo sostentamento prima d’intraprendere il viaggio fino alla mattina seguente.

Ore 21.51 – Taccuino sulle ginocchia e matita alla mano prendo qualche nota sulla situazione. Abbozzo una lista di progetti su cui lavorare in nottata, ma con totale flessibilità. Poi scatto qualche foto per documentare l’esperienza.

Ore 22.22 – Realizzo di essere in quella situazione per intraprendere un viaggio intergalattico/temporale/onirico. Quindi metto da parte il lavoro,mi corico e dormo.

Ore 23.36 – Svegliato dal bussare di una coppia, mi chiedono se posso aprire e dare loro spiegazioni. Sono gentili, educati, lui più è sorridente di lei. Si rivelano preoccupati che qualcuno possa rompere il vetro per aggredirmi. Spiego loro con fare paterno che essere esposti mentre si dorme spaventa per un retaggio istintuale, è il solco lasciato nell’inconscio collettivo da quando nella notte belve feroci attentavano i primi Sapiens. Li tranquillizzo, quei tempi sono passati. Non li vedo convinti, allora rilancio regalando 60 Ukron cadauno. Ci salutiamo mentre palpeggiano le loro nuove banconote.

Ore 23.59 – Dormo.

Ore 04.44 – Suona una sveglia. In una sedicina di minuti abbondanti grazie al bastone tecnomagico trasferisco otto Demoni dai simulacri digitali realizzati da L.Elrah ad una solida scatola in legno. Ma non è questa la sede per approfondire la linea narrativa della Legione di Demoni. Trovate tutto cliccando qui.

Ore 05.12 – Dormo.

Ore 09.52 – Sveglia, abluzioni mattutine, bicchiere d’acqua. Il letto è sfatto, ma non distrutto. Denota un sonno tranquillo. Sul pavimento due cartoncini sovrapposti che non ricordo dalla sera precedente. Bozze di macchine spaziali si direbbe, ma voltandoli scopro essere un cybercane e un androide. Grazie Renato.

Artisti vs la guerra

Di solito scrivo pezzi divertenti, leggeri, di quelli che puoi leggere serenamente in pausa pranzo. Parlo di millennial, dell’essere single, dei 30 anni che ti arrivano addosso e neanche sai come è successo.

Oggi però voglio raccontarvi di un bel progetto: PutinPeace

A pochi chilometri da casa nostra c’è una guerra in corso fatta di bombardamenti, di città e vite distrutte e di persone esattamente come noi che da un giorno all’altro hanno dovuto riempire la valigia con pochi oggetti personali e scappare da casa loro.

I mezzi di comunicazione che abbiamo a disposizione come internet, i podcast o i giornalisti che sono in prima linea a raccontare quello che sta realmente accadendo ci fanno sentire forse ancora più vicini a queste persone e più coinvolti.

Sentiamo tutti un enorme senso di impotenza e cerchiamo di colmarlo come possiamo, facendo donazioni, portando vestiti e generi di prima necessità alle associazioni e rimanendo informati. Poi ci sono persone che decidono di fare qualcosa di davvero concreto.

L’azione di Putinpeace

È il caso di Putinpeace, una pagina Instagram che raccoglie le opere di artisti da tutto il mondo con l’intento di sottolineare il totale ripudio alla violenza dell’invasione Russa in Ucraina.

I fondatori sono Fabrizio Spucches (Catania 1987), Umberto Cofini (Padova 1993) e Andreana Ferri (Livorno 1992). Ma non si sono limitati soltanto a creare la pagina Instagram, due di loro, Umberto e Fabrizio, insieme a Francesco Perruccio sono partiti per il confine tra Romania e Ucraina per realizzare reportage, interviste, ritratti, video e aiutare i profughi.

Umberto e Francesco sono tornati in Italia portando con sé una famiglia di profughi, mentre Fabrizio continua il suo viaggio verso la Moldavia.

La pagina Instagram in pochi giorni ha già raccolto opere di opere di molti artisti anche celebri, da grandi personalità della fotografia come Oliviero Toscani o della moda come Jean Charles de Castelbajac e dell’arte con TvBoy, passando per decine di grafici, fotografi, illustratori, artisti visivi e video.

Put in Peace e PutinPeace!

Una vera esortazione alla pace utilizzando come unico strumento l’arte visiva.
Io sono una fiera sostenitrice della forza della parole, di quanto sia importante una buona comunicazione fatta di modi e toni corretti, ma ho scoperto anche che quello che una foto, un’immagine, un’opera d’arte può comunicare a volte, è molto più potente e immediato.

Sulla pagina Instagram Putinpeace ci sono interviste video che Fabrizio fa ai profughi. Tutte le interviste partono con una frase che è forse uno dei messaggi più potenti che ho sentito “Welcome to European Union”. E puntualmente al di là della telecamera compare un sorriso, una smorfia, un luccichio negli occhi che ti apre un mondo.

“The Gallery will close when the war is over”, questo è il claim della pagina, e io non posso che sperare che questa galleria venga chiusa davvero in tempi brevi.

Le parole a volte mancano di fronte a forme di violenza così devastanti e insensate. Cercare una ragione dove ragione non c’è risulta difficile e umanamente incomprensibile.

Ho preso in prestito le parole del poeta turco Nazim Hikmet che ha vissuto la guerra, l’esilio e l’allontanamento dalla sua terra. Nel 1940 scriveva :

La fine delle strade per certo è vicina
tutto quel che succede oggi
è al di là della ragione.
La terra è un pezzo di sapone:
scivola tra le mani.
Ogni creatura ha casa in qualche posto
il lupo non ha casa in nessun posto
quando la terra ti scivola tra le mani
diventi un lupo…

Ci saranno sempre prede e predatori come la storia ci racconta, ma ci saranno sempre persone che combatteranno e tenderanno la mano perché nel lungo percorso di pace esserci farà sempre la differenza.

PUTINPEACE cerca di fare la propria parte.

PUTINPEACE non vede l’ora di chiudere.

PUTINPEACE parla a nome di tanti perché Welcome to European Union.

Per condividere immagini, video, fotografie contro la guerra e per sostenere il progetto:

@putinpeace

#putinpeace

Dove metaverso e arte si incontrano c’è Kalman Pool. L’artista e le sue opere aprono la mostra della Pump House, nel cuore artistico di Londra. La Berntson Bhattacharjee Gallery accoglie artisti emergenti da tutto il mondo, questa volta con un tocco in più: il parco dell’edificio vittoriano sarà abitato dalle grandi sculture gonfiabili nate dall’immaginazione di Pool.

Kalman Pool non ama le regole, i limiti o i confini. Non vuole una bussola per guidare il suo lavoro o un unico mezzo per definire la sua arte. Non vuole nemmeno essere trattenuto dalla fondamentale legge di gravità. Ha uno stile che segue la filosofia kantiana: l’arte può esistere libera da qualsiasi soggetto, forma o contenuto, indipendentemente dai desideri della società, in un universo completamente separato.

Ed è proprio in un universo alternativo che crea mutanti amebici di enormi dimensioni e colori accesi, a volte fluorescenti. Li realizza senza una forma definita, e lo fa utilizzando qualsiasi mezzo: su dipinti, ceramiche, realtà virtuale e sculture gonfiabili.  La loro stranezza è spesso evidente: molte sono creature con un occhio solo, esseri congiunti, oppure mutazioni. A volte, sono del tutto astratti, e rende difficile per noi identificare una qualsiasi delle loro parti senza un buon sforzo di immaginazione.

A soli 25 anni, l’arte di Pool è già stata esposta in gallerie da Chicago a Shanghai, comprese istituzioni di grande prestigio come la Saatchi Gallery di Londra, nota per aver lanciato la carriera di diversi giovani talenti.
È cresciuto a Guangzhou dedicandosi più che all’arte allo sport del badminton, allenandosi fin da bambino a livello agonistico. Ha iniziato a viaggiare, a New York l’incontro con il MoMa gli ha aperto un nuovo mondo: “Quando ho visto i lavori di Pollock e Rothko, e quando ho imparato a conoscere l’espressionismo astratto, sono rimasto senza parole – dice al giornalista di RADII – Non ci sono regole, e ho capito che l’arte poteva essere così spontanea, e che volevo farlo anche io”.

A Chicago, ha appreso della School of the Art Institute of Chicago e di come offre una notevole libertà per lo sviluppo artistico. “È davvero un posto all’avanguardia. Non valutano nemmeno il tuo lavoro. Ecco perché ci sono andato per ricominciare”, dice. La sua tesi sulle sculture gonfiabili, ispirata dalla storia dei carri armati, camion e aeroplani gomma gonfiabili, usati dai soldati americani per ingannare e disorientare i nazisti; e dalla storia di designer, inserzionisti e artisti, incluso il famoso pittore americano Ellsworth Kelly, cruciali nel creare i trucchi dell’illusione per tali missioni classificate, gli ha permesso di intraprendere un percorso tutto personale, dedicato alle creazione di forme che si animano con l’aria.

Alcune sculture nascono nel metaverso, altre ci arrivano dopo, Pool è sicuramente affezionato alla realtà virtuale e ai suoi vantaggi, come l’estrema portabilità. A differenza della scultura tradizionale, non ci sono materiali o strumenti pesanti da trasportare. Tutto ciò di cui ha bisogno sono il computer e la sue cuffie. “Mi piace l’idea di uno studio mobile e mi serve solo un piccolo spazio per lavorare. Posso creare in Europa, in America, in Cina, ovunque”.

Per la prima volta, le sculture animate dall’aria sono state installate in un ambiente esterno, costrette a convivere a stretto contatto con la natura. Le loro vite iniziano nella realtà virtuale, dove Kalman crea e plasma la materia inesistente, ma questa volta si traducono in un confronto spettatore-artista-natura. Di recente una scultura si è sgonfiata in Svizzera, e la galleria lo ha chiamato con un tono di disperazione. “Ho detto loro di essere pazienti, – ride. – Devi passare del tempo con la scultura. Ascoltala. Toccala. Guarda attraverso tutte le parti per trovare la perdita.”

Milano ha contagiato Brescia e Bergamo.

Dopo due edizioni online, dal 4 al 6 marzo, torna in presenza “Milano MuseoCity”, la manifestazione promossa dal Comune di Milano | Cultura e realizzata in collaborazione con l’Associazione MuseoCity, nata per riscoprire e far conoscere la ricchezza del patrimonio artistico dei musei cittadini.

Oltre 90 istituzioni pubbliche e private partecipano alla sesta edizione della manifestazione, musei d’arte, di storia, musei scientifici, case museo, archivi d’artista, archivi e musei d’impresa diffusi su tutto il territorio cittadino e, per la prima volta, anche oltre i confini della città con i Comuni di Bergamo e Brescia che hanno selezionato alcune tra le istituzioni più rappresentative del territorio.

Dal 4 marzo i musei coinvolti aprono al pubblico le loro porte fisiche o virtuali, proponendo un programma con centinaia di appuntamenti tra visite guidate, laboratori per bambini, conferenze, incontri, aperture straordinarie e iniziative speciali accomunate dal tema conduttore di questa edizione: “Le Stanze dell’Arte”. L’attenzione sarà quindi focalizzata quest’anno sugli edifici che ospitano i musei (pubblici e privati), raccontati dai loro curatori e direttori.

«Questa nuova edizione di Museocity – dichiara l’assessore alla Cultura Tommaso Sacchi – è innanzitutto un’occasione importante di riapertura per tanti spazi d’arte e cultura, pubblici e privati, grandi e piccoli, che durante gli scorsi due anni hanno sofferto l‘assenza obbligata del pubblico, un rapporto vitale ed essenziale per ogni museo o spazio espositivo. In secondo luogo, il trasferimento forzato sull’online delle due precedenti edizioni ha consentito quest’anno di sviluppare un programma ibrido ricco anche di contenuti web. Infine – conclude l’assessore Sacchi – il modello di MuseoCity, così aperto e inclusivo, ha valicato i confini della nostra città metropolitana includendo alcune importanti istituzioni d’arte e cultura delle città di Bergamo e Brescia, che saranno Capitali Italiane della Cultura nel 2023. Due città e due territori ricchissimi di storia e cultura, con cui Milano ha già collaborato nella scorsa mostra di Natale a Palazzo Marino».

Tra le istituzioni presenti per la prima volta, oltre a quelle di Brescia e Bergamo, ci sono l’Archivio Emilio Scanavino, ospitato in una palazzina di inizio ‘900, una volta sede di un noto laboratorio professionale fotocolore; l’Archivio Negroni, che propone un corso introduttivo al bassorilievo con esercizio pratico; l’Associazione Culturale Mosè Bianchi, Pompeo Mariani, Elisabetta Keller con l’apertura dell’ex Atelier della Keller, oggi sede degli archivi dei tre artisti, e visite guidate e conferenze quotidiane dedicate ad un’artista differente; la Fondazione Francesco Somaini Scultore, ex atelier dello scultore in un palazzo storico del FAI, recentemente inaugurato (settembre 2021), propone una mostra, una conferenza e un’attività digitale; la Fondazione Luciana Matalon, spazio nel cuore di Milano, dedicato all’arte contemporanea, in cui ogni parte è stata ideata e personalizzata dall’artista (soffitto di specchi, pavimento dipinto); l’Officina Rancilio 1926, progetto in itinere alla scoperta degli oggetti di design custoditi nei musei cittadini di Parabiago.

Come ogni anno l’Associazione MuseoCity cura e organizza direttamente alcune iniziative della manifestazione. Dal 4 al 6 marzo torna l’itinerario “Museo Segreto”, curato da Federica Giacobello con la supervisione di Gemma Sena Chiesa, dedicato alle “Stanze dell’Arte”. L’attenzione sarà rivolta alle sedi, palazzi storici o di nuova creazione, che ospitano le diverse istituzioni partecipanti, ma ci si focalizzerà anche sulle sale espositive, si scopriranno particolari architettonici e decorativi inediti, e allestimenti storici o contemporanei. Si racconterà anche di altre “stanze”, perlopiù semplici laboratori, dove l’opera d’arte è stata creata. Una mostra diffusa, quindi, tra realtà e metafora.

Sabato 5 marzo Palazzo Reale ospiterà “Il Museo Sottopelle: la differenza insegna”, un convegno curato da Anna Detheridge sull’innovazione nei Musei del post-Covid, con un dibattito che proporrà best practice e spunti di riflessioni sul tema della differenza, dell’accessibilità e dell’inclusività, partendo dal presupposto che per meglio comprendere l’esperienza degli altri sarà necessario ripensare il nostro rapporto con noi stessi.

Un tema molto vicino a quello del convegno è trattato in modo approfondito nel secondo fascicolo “Il Museo per tutti. Ricerca sugli accessi ai musei milanesi” per persone con disabilità sensoriali e cognitive che si potrà consultare presso le Istituzioni partecipanti e online sul sito web dell’Associazione MuseoCity.

Da segnalare tra le altre iniziative: le aperture straordinarie della Sala delle Capriate di Palazzo della Ragione (Bergamo) e di Casa Museo di Palazzo Tosio (Brescia); la visita guidata del MUMAC – Museo della Macchina per il Caffè di Gruppo Cimbali, che celebra quest’anno il decimo anniversario dalla sua fondazione; il laboratorio proposto dal Museo Popolo e Culture PIME, in cui il visitatore sperimenta in prima persona cosa significa realizzare una camera delle meraviglie; il gioco online di Fondazione Pirelli; il nuovo allestimento temporaneo “L’inizio del tempo. Le ricerche spazialiste di Arnaldo Pomodoro” nello Studio del Maestro promosso da Fondazione Arnaldo Pomodoro.

Selfie sculturali.

C’è una mostra su Canova in questi giorni a Rovereto che tutti quelli che amano farsi selfie da postare sui social dovrebbero vedere. Se non altro per imparare che cos’è la sensualità. Il Mart infatti celebra l’eredità di uno dei più importanti maestri della scultura di tutti i tempi, Antonio Canova (1757 – 1822), con la mostra denominata “Canova tra innocenza e peccato”.

La modernità di Canova

Nata da un’idea di Vittorio Sgarbi e curata da Beatrice Avanzi e Denis Isaia, si tratta di una grande esposizione che esplora l’attualità dell’opera del maestro nei linguaggi contemporanei, dalla fotografia alle esperienze scultoree più recenti, mettendo in luce nessi, dialoghi, continuità e contrapposizioni.

Con la sua opera Canova ha incarnato l’ideale di una bellezza eterna, fondata su principi di armonia, misura, equilibrio, affermandosi come massimo esponente del Neoclassicismo italiano. La sua ricerca, ricca di rimandi al passato, si apre al futuro, lasciando in eredità un ideale estetico che continua a vivere fino a oggi.

La fotografia e Canova

Con oltre 200 opere la mostra indaga come questa eredità abbia influenzato i linguaggi contemporanei, presentando alcune tra le più significative esperienze artistiche nel campo della fotografia e della scultura, alla ricerca di un ideale di bellezza che lungo il percorso espositivo trova declinazioni diverse: dall’imitazione alla celebrazione, fino alla messa in discussione e alla negazione.

In un allestimento nel quale predominano il bianco e il nero, il vero protagonista è il corpo. Se alcuni degli artisti in mostra scelgono di idealizzarlo o estetizzarlo, altri descrivono una bellezza anti-canonica e “anti-canoviana” che contempla e contiene il suo contrario. In entrambi i casi, il corpo è icona.

La mostra: Canova, tra innocenza e peccato

La mostra si snoda in cinque sezioni nelle quali convivono opere di Canova e di artisti contemporanei. Nei lavori di alcuni artisti attivi nell’ultimo secolo, la pratica della scultura diventa esercizio di maestria ed espressione di una ricerca che rinnova e rende attuale il canone canoviano.

L’ambiente centrale della mostra presenta suggestivi dialoghi tra Canova e i più grandi fotografi di nudo del Novecento: Helmut Newton; Jean-Paul Goude, Robert Mapplethorpe, Edward Weston, Irving Penn, Horst P. Horst. Una vera e propria indagine sulla perfezione della tecnica e della forma.

A questi fanno da controcanto i fotografi che hanno perseguito ricerche di segno opposto, come Miroslav Tichý, Jan Saudek e Joel-Peter Witkin. Infine, una sezione è dedicata ai fotografi che hanno prestato il loro obiettivo alla documentazione e all’interpretazione dell’arte di Canova: i fratelli Alinari, Aurelio Amendola, Paolo Marton, Massimo Listri, Luigi Spina.

Nella piazza del museo al centro della fontana il pubblico incontra l’opera dello scultore Fabio Viale che da alcuni anni sovverte, tatuandoli, i capolavori dei maestri classici.

Per tutte le informazioni sull’evento: MART.

Archivio Renato Volpini con Archivio Nanda Vigo per celebrare il genio visionario di due artisti cardine del panorama italiano. Dalla collaborazione nasce Le Meraviglie dei Cieli, retrospettiva sulla visionaria produzione di Renato Volpini, la mostra a Milano.

Un progetto corale che vede curatori e amanti dell’arte dare spazio al guizzo artistico di due personalità storiche dell’arte contemporanea milanese.

Il giorno 3 febbraio 2023, dalle ore 17.00 alle 20.00, sarà inaugurata la mostra Le Meraviglie dei Cieli, retrospettiva sulla visionaria produzione di Renato Volpini in via Gorani 8 a Milano (zona Cinque Vie). Una data non casuale, scelta per ricordare la scomparsa dell’artista, designer e collezionista Nanda Vigo, avvenuta il 3 febbraio 2020.

A celebrarne il genio visionario, un’esposizione che condensa le prospettive dei due artisti e amici. Due menti che si sono lasciate ispirare dalla ricerca dell’Altrove e dall’attrazione verso lo Spazio e il Tempo ignoto, temi da cui hanno tratto una personale elaborazione del Fantastico e dell’Alieno.

Allegra Caniza, curatrice dell Archivio Nanda Vigo, collabora con il collettivo DustyEye, che gestisce e cura la Casa Museo Renato Volpini. In occasione dell’esposizione una costola delle opere del maestro Volpini saranno trasportate allo spazio di Via Gorani per arricchire la selezione già presente nell’archivio storico della designer Vigo.

Renato Volpini e l’esplorazione del Cosmo con le Macchine Spaziali

Renato Volpini (Napoli, 10 dicembre 1934 – Milano, 3 febbraio 2017) si dedicò, a partire dagli anni ’60, alla raffigurazione di creature aliene in sospensioni cosmiche. Tra le sue opere troviamo figure robotiche, intelligenze artificiali, macchine spaziali e panorami visionari, tematiche trattate con largo anticipo rispetto all’elaborazione dell’attuale immaginario fantascientifico.

Lo storico studio milanese di Renato Volpini riapre le sue porte per raccontare la vita e le visioni cosmiche dell’artista. Grazie al nuovo allestimento curato da DustyEye con l’aiuto di Paola Perusco, moglie del pittore e artista lei stessa, è possibile ripercorrere la vita e la genesi delle opere del maestro, attraverso un viaggio cosmico nelle sue visioni.

La visita guidata, a cura del portavoce dei DustyEye Jacopo Masini, è prenotabile su appuntamento. Le opere di Renato Volpini sono visionabili anche nella loro versione digitale, grazie all’allestimento all’interno metaverso MARTIX a cura di Vincenzo Bordoni.

Vigo e Volpini, insieme per l’Altrove

Nanda Vigo era la nipote di Fernando Barbacini, celebre astronomo votato all’esplorazione dello Spazio e dell’oscura soglia tra reale e irreale. Fu proprio Barbacini a pubblicare, nel 1931, “Le Meraviglie dei Cieli”, con l’intento di rendere facilmente comprensibili le allora recenti scoperte in ambito astronomico.

La nipote designer, collezionista e artista ereditò da lui la tensione verso lo Spazio, il Tempo, la Luce, l’Universo e l’Altrove, facendo poi confluire la sua ispirazione in opere futuristiche prevalentemente realizzate grazie all’utilizzo di neon, plexiglass e specchi.

L’archivio di Nanda Vigo contiene, inoltre, numerosi pezzi unici realizzati da esponenti dell’arte contemporanea che gravitavano attorno alla sua personalità. Tra questi Renato Volpini, la cui produzione risulta essere particolarmente in linea con l’orizzonte artistico di Vigo grazie all’assonanza di temi e di ispirazioni.

Con la mostra Le Meraviglie dei Cieli, retrospettiva sulla visionaria produzione di Renato Volpini, le opere dell’archivio curato da Allegra Caniza, con l’aiuto di Sara Mauri, si uniscono alla selezione proveniente dalla Casa Museo Renato Volpini, con l’obiettivo di fornire una visione incentrata sul tema della produzione di Macchine Spaziali.

Uno spazio per i volti dell’arte ultracontemporanea

Ad accompagnare le Macchine Spaziali volpiniane, una selezione di artisti del panorama italiano attuale: Timcet, Mattia Sanarico, Sana Renard, L.Elrah, Iron Noir, Giorgio Finamore, DustyEye, Gerlanda di Francia, BitNb, Franco Brambilla. Un monitor ci immergerà alla scoperta dell’arte ultracontemporanea con artisti che ibridano analogico e digitale indagando temi analoghi al Maestro Volpini: la macchina, il cosmo, l’alieno, l’oltre, l’oltretempo e l’oltredimensionale.

Due mesi invernali all’insegna dell’arte visionaria che guarda a un futuro di coesione tra “sapiens e macchina”. Al via la rassegna culturale Dergano Tecnomagica: uno spazio per connettere visioni in una location d’eccezione che apre a tutta la comunità.

Domani, 3 febbraio 2024, dalle ore 16.00 alle 20.00, sarà inaugurata la rassegna di eventi “Dergano Tecnomagica” dedicata al dialogo tra Inconsci Collettivi. 

Un progetto ideato e curato dal collettivo DustyEye, che unisce artisti e menti per favorire la circolazione di idee e la produzione artistica sull’Altrove, insieme a Giulio, neo-imprenditore milanese che da poco ha realizzato il sogno di aprire un’attività commerciale, che di commerciale ha solo lo status legale. “Piante e Vino”: la location che ospiterà la rassegna artistica non è solo un negozio, ma un centro aggregativo che unisce le due più grandi passioni del proprietario con l’obiettivo di dare vita a esperienze condivise con la comunità. 

L’idea di creare questo evento nasce dall’unione di due realtà distinte, ma accomunate dall’amore per la comunità e per la propria “bolla felice” in una Milano frenetica e spesso asettica: Dergano. Un quartiere a nord di Milano che si presenta come un vero e proprio laboratorio di idee e stimoli. Non a caso, proprio Dergano farà da cornice all’incontro tra artisti, pensatori, visionari e curiosi di tutta la zona. L’obiettivo è quello di “fare comunità”, di animare la piazza, di connettere e di ispirare attraverso l’arte. 

Per quattro sabati invernali numerosi artisti accomunati da una visione futuristica (alcuni dei quali già parte del collettivo DustyEye) saranno invitati presso “Piante e Vino” per un pomeriggio di cultura. In questa occasione gli artisti non porteranno avanti una mostra personale, ma daranno vita a un momento di dialogo con i presenti portando in loco opere rappresentative della loro produzione, lavorando sul posto e raccontando qualcosa del proprio percorso creativo.

Gli appuntamenti della rassegna:

• Sabato 3 febbraio – dalle 16.00 alle 20.00:  Ivan Hurricane e L.Elrah con accompagnamento sonoro di Vijaya
• Sabato 17 febbraio – dalle 16.00 alle 20.00: Anna Avvassena e Reshi con accompagnamento sonoro di Isygold
• Sabato 02 marzo – dalle 16.00 alle 20.00: Edoardo Winston e De La Vega con accompagnamento sonoro di Blowjoe
• Sabato 16 marzo – dalle 16.00 alle 20.00: Sib, Bitnb, Viperhaze e Waro con accompagnamento sonoro di Lady Vie
• Sabato 23 marzo – chiusura della prima edizione con tecnorituale

Link alla rassegna completa: https://www.dustyeye.com/derganotecnomagica

In copertina: opera di L.Elrah (https://www.instagram.com/lel_ra_h/?igsh=MWgxaGl6bnpmbmF3cA%3D%3D)

Street art italiana al Mudec.

Mudec Photo ospita per la prima volta a Milano una personale di Tvboy, al secolo Salvatore Benintende, che svela al visitatore l’occhio ironico e satirico, ma sempre attento alla riflessione, con cui l’artista reinterpreta le varie tendenze della società contemporanea.

“Tvboy. La mostra” racconta – attraverso più di 70 tele – il percorso dell’autore, che è a livello internazionale uno degli esponenti principali del movimento Street Art di matrice Neo Pop ed è uno degli artisti più riconoscibili della sua generazione.

Tvboy nel mondo

Le sue opere sono infatti esposte in diversi Paesi, dalla strada alle mostre museali, al Pac Milano, MDM Museum oltre che in numerose gallerie di Roma, Barcellona, Monaco, Copenaghen, Berlino, Londra, Los Angeles, Miami, da solo o al fianco di grandi nomi come Warhol, Lichtenstein, Haring, Basquiat.

La mostra, prodotta da 24 Ore Cultura – Gruppo 24 Ore e promossa dal Comune di Milano-Cultura, è a cura di Nicolas Ballario, giornalista esperto di arte contemporanea, ed è realizzata in collaborazione con Studio Tvboy. L’ingresso è gratuito.

La protesta di Tvboy al Mudec per Banksy

L’incontro tra il Mudec e l’artista è stato – come spesso accade in questi casi con artisti ‘disruptive’ nei confronti della società e delle istituzioni – assolutamente casuale. In occasione della mostra del Mudec dedicata a Banksy nel 2018 “A Visual Protest. The Art of Banksy” (21 novembre 2018 – 14 aprile 2019), Tvboy realizzò nottetempo un primo murale di protesta sul muro di cinta del museo, in via Tortona 56.

Il murale rappresenta (è ancora oggi visibile) uno street artist incappucciato, ritratto di spalle, che gioca sull’ambiguità Official/Un-official, riferendosi alla mostra non ufficiale di Banksy che si svolgeva all’interno delle sale del museo. Dallo “scontro” è nato un dialogo interessante, che ha visto lavorare il Museo delle Culture e Tvboy insieme, per un progetto molto ambizioso all’interno del distretto Tortona.

Lungi, infatti, dall’affossare o far cadere la provocazione dell’artista, il Comune di Milano e il Mudec hanno colto l’occasione spontanea invitando Tvboy a replicare l’opera durante una performance pubblica in Museo realizzando una serie di opere successivamente vendute, il cui ricavato ha finanziato il progetto “Un muro che unisce”, in collaborazione con Municipio 6, per la realizzazione di due gallerie a cielo aperto dedicate a Guido Crepax e successivamente a Diabolik nei pressi della chiesa di San Cristoforo.

I temi affrontati da Tvboy

Sono quattro i grandi temi affrontati nell’arte di Tvboy: Baci, Arte, Potere, Eroi, e nella mostra si traducono in percorsi tematici. Il primo nucleo è dedicato ai Baci, che hanno reso famoso Tvboy nel mondo e che rappresentano per l’artista il gesto più intimo e romantico, ma anche il “dialogo” per eccellenza, ovviamente nell’accezione ironica che caratterizza le sue opere.

Si prosegue con il nucleo dedicato al Potere, con la visione assolutamente ‘iconica’ e statica che caratterizza i potenti rappresentati da Tvboy. La terza sezione rappresenta forse la più significativa nella produzione di Tvboy, quella dedicata alla Storia dell’Arte.  Il percorso si conclude con la sezione dedicata agli Eroi personali dell’artista.

Contemporaneità

Ma le sezioni e le categorie non si addicono a Tvboy, come spiega Nicolas Ballario nella mostra. “Incarna perfettamente la nostra contemporaneità, perché abbatte i confini tra discipline e ci spinge verso l’abbandono di una sterile visione del mondo per categorie, sia per le tecniche o gli strumenti che usa, sia per i contenuti che affronta, parlandoci di razzismo, discriminazione, ambiente, clima, cinema, sport, religione, violenza, sesso, morte, immigrazione, amore, amicizia, potere, eroi, arte. La sua forza – continua Ballario – è la produzione continua, esagerata, famelica. Tvboy ambisce a diventare un’enciclopedia per immagini della società contemporanea”.

Nella mostra, dunque, il percorso è un non-percorso, un racconto ai visitatori fatto anche attraverso gli occhi e la penna del fotografo Oliviero Toscani — uno dei punti di riferimento di Tvboy — che interpreta la visione dello street artist sul tema del Potere, di Beppe Sala, suo grande estimatore che commenta la tematica legata all’amore e ai baci, e del Capitano di Open Arms Marc Reig Creus, con il quale Tvboy ha realizzato un importante progetto e che commenta il tema degli Eroi.

Tutto nasce da un desiderio, spesso inconfessato, ma che quasi tutti prima o poi hanno avuto: godere del privilegio di poter raccontare il proprio passaggio su questo Pianeta attraverso un’immagine.

È questo lo spirito del progetto Ricordi Stampati. L’idea è nata tempo fa al fotografo Settimio Benedusi che in un’epoca dominata dal digitale (e da ciò che non è più tangibile), ha scelto di girare l’Italia scattando centinaia di ritratti fotografici a gente comune. Famiglie, giovani, anziani, poveri, ricchi, lavoratori, pensionati. Nel corso degli anni all’iniziativa hanno partecipato altri grandi fotografi. Il risultato? Offrire alla gente comune un privilegio solitamente riservato alle star: portarsi a casa un ritratto fotografico stampato su carta e firmato da un big dell’immagine.

Quale sarà il set del nostro ritratto fotografico?

Quest’anno l’iniziativa girerà letteralmente l’Italia con un calendario fittissimo. Ogni città, un grande fotografo. Se Benedusi sarà per esempio a Imperia dal 3 dicembre al 13 febbraio, Massimo Sestini sarà a Firenze nello stesso periodo mentre
Maki Galimberti (special guest photographer del progetto insieme a Oliviero Toscani, Toni Thorimbert e molti altri) scatterà nella sua Milano dal primo dicembre fino al 5 dicembre (nello studio di via Savona 35).

Il fotografo Maki Galimberti sarà presente dall’1 al 5 dicembre a Milano per il progetto “Ricordi” di Settimio Benedusi

Chi vorrà partecipare a questo sorta di happening democratico della fotografia potrà prenotarsi sul sito ricordistampati.it, scegliendo dal calendario la data e l’ora di arrivo.

«Le fotografie possono raggiungere l’eternità attraverso il momento», diceva Henri Cartier-Bresson. Ricordi stampati è l’occasione per mettere alla prova questo assunto.

Due realtà su cui imperversano tragedie, crisi umanitarie, povertà, condizioni di emergenza. Con The Last Drop Fabrizio Spucches ci accompagna in Ucraina e nel Corno D’Africa per mostrarci, attraverso sguardi e colori, i conflitti sociali che affliggono una lontana quotidianità.

Fondazione CESVI e il fotografo Fabrizio Spucches presentano all’Acquario Civico di Milano la mostra dal titolo THE LAST DROP a cura di Nicolas Ballario. Cento scatti che mirano a raccontare i drammi e i conflitti sociali del nostro tempo attraverso un percorso emozionale.

I focus tematici della mostra sono la guerra e la carestia. Ambientata in luoghi estremamente lontani ma accomunati da sofferenza, disumanizzazione e difficoltà, The Last Drop ci accompagna dapprima sui campi di guerra in Ucraina, poi nel corno d’Africa, dove si affrontano le tragiche conseguenze dell’emergenza climatica, delle carestie e dei conflitti armati.

L’artista ha visitato i progetti di CESVI e incontrato le persone a cui l’associazione fornisce aiuto e sostegno, per vivere in prima persona e per poter toccare con mano le condizioni di vita di soggetti svantaggiati.

Fabrizio Spucches riesce cogliere l’immediatezza di una sensazione restituendola all’osservatore attraverso lo sguardo dei suoi soggetti filtrato secondo la propria sensibilità, per mostrarci un presente incomprensibilmente drammatico e talvolta poco conosciuto nella sua complessità. L’artista vuole comunicare un messaggio ben preciso: l’ultima goccia della disperazione africana è anche una guerra che si combatte dall’altra parte del mondo, “un’ultima goccia che è allegoria amara, perché versata su una terra che quella goccia la brama”.

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L’artista e la mostra The Last Drop

Fabrizio Spucches è nato a Catania nel 1987 e ha studiato all’Universitè de Picardie Jules Verne di Amiens e all’University for the Creative Arts di Canterbury. Ha collaborato per molti anni con il fotografo Oliviero Toscani, prima di fondare il proprio studio e ricoprire il ruolo di direttore creativo per molti marchi e diventare regista e fotografo di campagne e progetti editoriali.

La mostra THE LAST DROP di Fabrizio Spucches per Fondazione CESVI è curata da Nicolas Ballario e vede come media partner Factanza. Sarà visitabile dal 5 novembre presso l’Acquario Civico di Milano – Civica Stazione Idrobiologica.

In occasione dell’inaugurazione della mostra sarà presentato l’Indice Globale della Fame 2022 (Global Hunger Index – GHI), uno dei principali rapporti internazionali sulla misurazione della fame nel mondo, curato da CESVI per l’edizione italiana.

Siamo millennial e, purtroppo, i tempi per treak or treat sono finiti. Come festeggiare Halloween mantenendo una certa aplomb? L’arte è sempre un buon alleato.

Vi diamo qualche spunto per arredare il vostro salotto a tema. Il piano è questo: la sera del 31 ottobre esponete le opere e intrattenete i vostri ospiti con i macabri aneddoti che le accompagnano.

I quadri per Halloween: le opere d’arte top

Ecco quelli abbiamo individuato come i quadri perfetti per Halloween.

Il volto della guerra, Dalì

1. Il volto della guerra, Dalì

Un classico, ma sempre d’effetto. Protagonista: la testa di un cadavere. Negli occhi e nella bocca sbarrati compaiono inquietanti teschi che a loro volta hanno teschi dentro gli occhi e dentro la bocca, un simbolo del loop di orrore e angoscia portato dalla guerra. Non solo questo quadro ha un significato intrinseco e profondo, ma anche colori caldi e accesi che contribuiranno a creare un’atmosfera molto creepy, ma allo stesso tempo elegante.

The hands resist him, Bill Stoneham

2. The hands resist him, Bill Stoneham

In questa tela l’artista ha rappresentato il sé stesso bambino insieme a una tetra bambola vivente. I due sono in piedi davanti a una porta di vetro, dietro alla quale vediamo emergere decine di mani da un fondale nero: il vetro è il confine tra realtà e mondo dei sogni.
Si dice che questo quadro sia maledetto. La coppia di californiani che lo aveva ereditato decise di metterlo in vendita su Ebay perché durante la notte il piccolo Bill e la bambola prendevano vita e infestavano la casa della coppia. Si scoprirà, in un secondo momento, che anche un critico del New York Times un e gallerista morirono subito dopo essere entrati a contatto con il quadro stregato.

Un paesaggio di Henry Lee Lucas

3. Un paesaggio di Henry Lee Lucas

Vi chiederete «cosa potrebbe mai rendere questo quadro perfetto per Halloween? Non ha nulla di spaventoso». Ebbene sì, è vero, ed è proprio questo che lo rende tremendamente inquietante. L’idilliaco e rilassante paesaggio è stato dipinto da Henry Lee Lucas, uno dei più noti serial killer statunitensi accusato di 214 omicidi, in primis quello di sua madre.
Henry Lee Lucas in carcere cominciò a dipingere, ed era anche molto bravo. Sì, certo, dipingeva anche volti mostruosi perfettamente riconducibili a un disturbato omicida. Ma secondo noi questi paesaggi apparentemente bucolici e sereni sono molto più significativi e disturbanti.

Un quadro di Zdzisław Beksiński

4. Un quadro di Zdzisław Beksiński

Il “pittore degli incubi” ha realizzato quest’opera senza titolo. Pare che Beksiński dipingesse le visioni angoscianti e tragiche che lo accompagnarono per tutta la vita, una breve esistenza all’insegna del dramma. Esseri deformanti, scheletri e scenari infernali sono protagonisti dei suoi quadri, perfetti per creare un’atmosfera cupa degna della festa dei morti.

The Sleep, Vincent Castiglia

5. The Sleep, Vincent Castiglia

Ok, questo quadro non rappresenta nulla di eccessivamente spaventoso. Qual è il punto allora? È stato dipinto interamente con il sangue dell’artista. Beh, non c’è altro da aggiungere. È ovviamente il quadro perfetto per halloween.

Non esistono problemi senza soluzioni.

Nove ragazze e un ragazzo affetti da disturbi del comportamento alimentare sono i protagonisti del nuovo progetto di “Ri-scatti”, dal titolo “Fino a farmi scomparire”. In programma dal 15 al 24 ottobre 2021, la mostra è ideata e organizzata dal PAC Padiglione d’Arte Contemporanea di Milano e da Ri-scatti Onlus – l’associazione di volontariato che dal 2014 realizza progetti di riscatto sociale attraverso la fotografia – ed è promossa dal Comune di Milano con il sostegno di Tod’s.

L’edizione 2021, la settima, è realizzata in collaborazione con l’ospedale Niguarda di Milano e l’Associazione Erika, e con il patrocinio della Presidenza del Consiglio dei Ministri – Dipartimento per le Politiche giovanili e il Servizio civile universale. È inoltre arricchita da una performance, frutto di un laboratorio teatrale sulla stessa tematica, realizzato in collaborazione con ASL Roma 1 e Associazione La Fenice.

Disturbi del comportamento alimentare, la mostra al PAC

Curata dal conservatore del PAC, Diego Sileo, l’esposizione si propone di superare il mito occidentale della magrezza come sinonimo di bellezza e di perfezione, sottolineando tuttavia come questo non rappresenti la causa prima della malattia. Cento fotografie raccontano storie diverse tra loro, di sofferenza, di disagio, di paura, nelle quali l’idea di poter controllare lo stimolo della fame e di poter vivere senza il cibo diventano gli unici obiettivi da perseguire e ai quali rivolgere tutti gli sforzi per poter annullare la propria fisicità, per poter limitare la propria presenza, quasi in un disperato tentativo di voler scomparire.

Le foto raccontano una storia

Le esperienze in mostra al PAC sono quelle di Alessandra, Alessia, Anna, Emanuela, Emanuele, Federica, Giulia, Silvia, Sofia e Teresa. Dopo un workshop di tre mesi realizzato sotto la guida di Amedeo Novelli – che, insieme a Stefano Corso e Federica Balestrieri, rappresenta l’anima di Ri-scatti – hanno trovato il coraggio e la forza di raccontarsi con la macchina fotografica in mano, di mostrarsi con tutte le loro fragilità e insicurezze, provando anche a sensibilizzare l’opinione pubblica su forme di dolore troppo spesso ignorate, considerate da molti un solo capriccio adolescenziale o addirittura una moda giovanile. Un disconoscimento della malattia ancora molto diffuso, una negazione a tutti i livelli, dalla società ai familiari, dalla scuola al medico di base.

Una società condizionata dai social media

La mostra vuole anche porre l’attenzione sulle responsabilità collettive di una società condizionata dai social media, dove l’esibizione del corpo è un potente mezzo di comunicazione e di relazione, e dove essere magri diventa il requisito indispensabile per essere e sentirsi accettati. Rischi che oggi viaggiano anche attraverso pericolosissimi siti internet, blog e forum “pro anoressia” e “pro bulimia” che forniscono criminali istruzioni per diventare sempre più magri.

Roma contro i disturbi del comportamento alimentare

Un progetto parallelo è stato portato avanti a Roma, utilizzando il teatro come strumento di indagine e quindi di espressione. Condotto dal drammaturgo e attore Mauro Santopietro in sinergia con la ASL Roma 1 – DCA con il coinvolgimento di undici ragazze, il laboratorio di cinque mesi culmina nella restituzione di un testo collettivo, messo in scena da Aurora, Giulia M., Giulia C, Giorgia, Sara, Silvia, Valeria, Leslie, Vittoria, Emma, Laura. La performance che le vedrà tutte in scena si terrà al PAC sabato 16 ottobre nell’ambito della mostra.

Il viaggio di RI-SCATTI. Fino a farmi scomparire

“RI-SCATTI. Fino a farmi scomparire” è un viaggio senza filtri e senza forme edulcorate nelle vite di un gruppo di ragazzi che stanno cercando di reagire a una malattia che ha portato i loro corpi all’esasperazione, a forme di comportamento ai limiti dell’autolesionismo atte a contrastare l’eventuale aumento di peso, quali il vomito autoindotto, un ampio uso di lassativi e diuretici, un’intensa attività fisica e una valutazione di sé indebitamente influenzata dalla propria immagine riflessa in uno specchio. I protagonisti di Ri-scatti, oggi consapevoli della loro sofferenza, hanno così deciso di provare a riscattare sé stessi attraverso l’arte della fotografia, accantonando quella paura di deludere e di fallire che li aveva accompagnati nella fase più acuta della malattia, mettendo a tacere quei pensieri di rabbia, di tristezza, di disperazione e di solitudine che avevano condizionato i loro comportamenti in famiglia, a scuola, con gli amici.

La lotta contro i disturbi del comportamento alimentare

Tutte le fotografie realizzate per il progetto e il catalogo pubblicato da Silvana Editoriale saranno come sempre acquistabili durante tutto il periodo della mostra e l’intero ricavato sarà utilizzato per supportare le attività dell’Associazione Erika con sede presso l’ospedale Niguarda di Milano, a sostegno sia dei pazienti sia delle loro famiglie.

Alcune delle foto della mostra di Ri-scatti al Pac

“Tutta l’arte è stata contemporanea”

Maurizio Nannucci

Spesso le opere d’arte che reputiamo dei classici sono sempre attuali, questo per le emozioni che ci trasmettono. Questa volta però vogliamo analizzare nello specifico delle opere che hanno elementi di una modernità disarmante.

Robert Mapplethorpe – Self Portrait with Whip, 1978

Robert Mapplethorpe è forse l’artista più odiato da Instagram. Zuckerberg non si fa scrupoli a promuovere un algoritmo che predilige tette di fuori ma capezzoli coperti in una censura che definirei “tutta all’italiana”. Tutto ciò che non è di buon gusto ed ha il giusto pudore secondo una macchina, va censurato. Ovviamente categorizza quasi ogni opera di Mapplethtop come scandalosa perché un algoritmo non può riconoscere l’arte.

Precisiamo ognuno sul suo social fa quello che gli pare. Però se le foto di Robert erano scandaloso e provocatorie 50 anni fa lo sono ancora tantissimo e forse in maniera diversa. La sua estetica si interrogava però sulla bellezza della figura umano (spesso sotto forma di soggetto maschile) non su uno scandalo da ricercare tanto per. 

Egon Schiele – Moa, 1911

Quest’opera di Schiele potrebbe tranquillamente essere in uno dei centinaia degli sketchbook dei fashion designer in giro per il mondo per la collezione primavera 2022. Pensare che un uomo con questa sensibilità si sia trovato costretto ad abbandonare la carta per la prima guerra mondiale dovrebbe essere da monito contro ogni parola di violenza nei confronti del prossimo. 

Se l’utilizzo di soggetti esotici (Moa aveva origini africane) è ormai parte integrante delle passerelle degli stilisti di tutti il mondo, Schiele ne aveva già intuito il potenziale in una forma moderna, estetica, opposta quella di Gauguin.

Amedeo Modigliani – Ritratto di Jeanne Hébuterne, 1917

Tutti i visi di Modigliani sono attuali, nella sua ricerca le donne prendono vita per sottrazione, tutto si appiattisce e semplifica, la pelle, il collo, il viso perfino gli occhi. I filtri dei social network fanno spesso lo stesso, distorcendo la figura nascondendo le imperfezioni della pelle in una patina piatta.

Non sto paragonando l’opera di Modigliani alle foto sui social ma il processo è lo stesso, in un caso il fine ultimo è arrivare all’essenza della bellezza introspettiva tramite l’osservazione, nell’altra l’omologazione, appiattendo tutto per piacere.

Frida Kahlo – La colonna spezzata, 1944

Frida è tanto in voga negli ultimi anni come icona femminista. Icona che lei, in vita, combattente comunista sì, non si è mai attribuita (che io sappia). Di artiste prettamente femministe il mondo e l’Italia è stato pieno, l’opera di Frida, però, supera tutto questo.

Più simile a Santa Maria Goretti che non ad una Gina Pane lei si immola. Infatti l’opera è attuale perché mostra la sofferenza mettendo però in primo piano sé stessa, in un costrutto artificiale simile al processo di formazione di un selfie. Lei cerca di utilizzare sé stessa come mezzo empatico.

L’attualità dov’è? La presenza, sempre più massiccia di persone con problemi (o “difetti fisici”) nelle campagne pubblicitarie e nei mezzi di comunicazione. Non si cancella il difetto, come nel nazismo o ai tempi degli spartani, ma se ne fa opportunità di sentimento.

René Magritte – The Son of Man, 1964

Su Magritte e l’apparenza non mi soffermerò più di tanto ma la nostra ossessione di fotografarci coprendoci il volto con una mela e negando noi stessi e nascondendoci dietro al marchio nel nostro telefono è la manifestazione del suo nascondersi.

Caravaggio – Martirio di San Matteo, 1600

L’attualità di quest’opera è da ricercare nel Mediterraneo, nel dramma dei migranti. Per farlo devo prendere in prestito le parole di Alessandro Leogrande che qui sintetizzo e parafraso.

«Nel martirio di San Matteo, c’è un autoritratto di Caravaggio. Mentre Matteo sta per essere ammazzato, lui non fa nulla, resta a guardare immobile, come molti degli altri presenti, può solo provare pietà. Nonostante lui sia consapevole del male che viene commesso non agisce».

«Ora mi chiedo se lo sguardo di Caravaggio non sia anche il nostro sguardo nei confronti dei naufragi, dei viaggi dei migranti e soprattutto della violenza politica o economica che li genera».

Scarpe e giochi.

Prendi due simboli dell’eterna giovinezza dei millennial: i Lego e le sneaker Superstar dell’Adidas. Miscelali, agitando con vigore. Completa con una spolveratina di creatività. Se possibile, che sia di arte contemporanea: di quella che riesce a essere allo stesso tempo mainstream e underground. Poi aggiungi anche un po’ di Ghemon. Fatto? Ecco, avete ottenuto anche voi qualcosa che assomiglia molto all’Adidas Originals Lego® e a tutta la campagna attorno al set di mattoncini in grado di riprodurre una Superstar.

Succede che Lego Italia – azienda esperta nel rilanciare e coinvolgere nel suo mondo icone del passato – insieme ad Adidas abbia deciso di celebrare l’iconica scarpa Superstar. In occasione del lancio della nuova Adidas Originals Lego® Superstar e della Superstar gemella costruibile in mattoncini Lego.

La scarpa Adidas di Lego interpretata da 7 artisti

Per farlo sono stati infatti coinvolti Nice And The Fox, Abel Bael, Howlers collective, Percy B, Nico Miyakawa e Guy Pitchon. Sette artisti emergenti del mondo della street art per creare pezzi d’arte unici che diventeranno protagonisti di numerose attività per tutto il mese di luglio. A Milano, le vetrine dei rispettivi negozi in piazza San Babila e in corso Vittorio Emanuele si sono trasformate in musei metropolitani.

Le opere si alternano di settimana in settimana tra i due negozi. «Sono felice di partecipare a questo progetto creativo promosso da Lego e Adidas perché sono due brand mitici che hanno accompagnato la mia infanzia e la mia adolescenza», il commento dell’artista torinese Francesca Nigra alias Nice And The Fox, che nel ritratto ha concentrato la sua ricerca artistica, utilizzandolo come espediente comunicativo per esprimere idee, sensazioni e atmosfere.

«Per me la street art rappresenta il punto d’incontro di tutti gli studi e tutti gli interessi che ho coltivato nel mio percorso, un linguaggio che è ancora capace di trasmettere messaggi e concetti. Lavorare con dei partner che hanno l’interesse e la sensibilità di dare voce e spazio ad artisti emergenti è per me motivo di grande soddisfazione», aggiunge Abel Bael, che dopo 12 anni di Art Direction e Advertising, ha lasciato il proprio lavoro per dedicarsi a una ricerca fondata sulla grafica, la comunicazione visiva e il simbolismo.

«Giocattoli anni 80 e sneakers vintage compaiono nelle mie creazioni da sempre, perché la mia ricerca artistica si nutre di reminiscenze dell’infanzia, persistenza della memoria, processi identitari, decostruzioni», dice a proposito Percy B, l’artista dalla spinta creativa deflagrante che investe ogni mezzo con cui si confronta, dall’arte al fumetto.

Ghemon con Lego e Adidas

In questo mix di ingredienti, il tocco finale è Ghemon. Il cantante si inserisce in questo progetto corale grazie alla realizzazione di un contenuto video inedito, che vede la performance del brano Difficile, contenuto nel suo nuovo album E vissero feriti e contenti (Carosello Records/Artist First), incorniciata dalle tele realizzate dagli street artist.

«Nel mondo di oggi, dove tutto ormai è digitale, Lego è riuscita a mantenere un immaginario dove la fantasia si realizza con dei gesti concreti e lo fa unendo tutte le generazioni. Da appassionato – commenta Ghemon – in questa collaborazione mi sono sentito doppiamente coinvolto perché la Adidas Superstar è una vera e propria icona delle sneakers. Sono orgoglioso di aver contribuito con la mia musica all’incontro di questi due classici senza tempo».

Fusione.

L’artista Claudia Losi e Kunstverein Milano uniscono le forze per un innovativo progetto editoriale: la nuova collana Passo chiama Passo accoglierà i risultati di alcune performance site-specific, realizzate in diversi paesaggi naturali e urbani, unendo immagine, testo e suono nella pubblicazione combinata, di volta in volta, di un libro d’artista e di un vinile.

Il rapporto tra voce, spazio e coralità al centro della ricerca di Losi sarà protagonista anche del primo titolo della collana: Voce a vento, a cura di Katia Anguelova. Per il progetto Voce a vento, commissionato dall’associazione Jazzi, uscendo dal contesto in cui è nato e ramificandosi nella forma editoriale, che comprende testi originali di Claudia Losi e un vinile con otto tracce, Losi ha scelto una direzione di progettualità collettiva che ha trovato espressione nel canto corale e polifonico di trenta donne emiliane e campane.

Le loro voci hanno abitato per alcuni giorni i sentieri del Monte Bulgheria, nel Parco Nazionale del Cilento e del Vallo di Diano, grazie alla guida della cantante e musicista Meike Clarelli, ricercatrice vocale dalla formazione eterogenea che spazia dalla musica al teatro, e con la partecipazione di Elena Bojkova, solista del coro “Le Mystère des Voix Bulgares”.

I testi sono stati scritti da Losi a partire dall’esperienza condivisa dei “laboratori camminati” che hanno attraversato il parco, coinvolgendo di volta in volta ospiti e gruppi di camminatori diversi, in un intreccio di vegetale, animale, umano, geologico e atmosferico. Le parole si ispirano ai canti di lavoro, in particolari quelli femminili, in cui si traccia una mappa-paesaggio “delle voci degli esseri umani che ne fanno parte”.

Come racconta Claudia Losi: «Non è possibile leggere fino in fondo un luogo che visitiamo. Non vi apparteniamo. Ne siamo ospiti. Eppure trovarsi lì crea un paesaggio, anch’esso transitorio, di nuove relazioni tra ciò̀ che c’è ed è stato. La grammatica di quel territorio si mescola alla nostra personale grammatica e ne portiamo via una memoria nuova, che muove
da punti cardinali diversi».

Nelle otto tracce – Chiamata / Animale / Atmosferico / Vegetale / Passo / Raccogli e conserva / Quanto tempo / Eleno, tchedo! – i testi e le immagini si parlano tra loro per testimoniare un rito collettivo, che attraverso il vento, la voce e il gesto del camminare ha restituito uno sguardo diverso sul paesaggio e sul suo rapporto con l’umano.

Per accompagnare la pubblicazione di questo progetto, Claudia Losi ha realizzato un multiplo: stampe uniche ispirate a questa esperienza che potranno essere acquistate singolarmente in un numero limitato di cinquanta esemplari.

Chi sono Claudia Losi e Meike Clarelli

La ricerca artistica di Claudia Losi è incentrata sul rapporto tra uomo e paesaggio, trae ispirazione dalla natura, le scienze, la storia e l’antropologia. Le sue opere hanno una dimensione narrativa che talvolta si avvale dell’uso della scrittura e del linguaggio, creando dinamiche di relazione e partecipazione comunitaria. Il medium tessile, dal ricamo, al cucito all’intreccio, ricorre frequentemente nel suo lavoro, che spazia tra installazioni site-specific, sculture, opere su carta e fotografia.

Meike Clarelli è cantante, compositrice e ricercatrice vocale dalla formazione eterogenea che spazia dalla musica, alla psicofonia, al teatro, alla poesia. Dirige stabilmente dal 2008 due cori di voci femminili: “Le Chemin des femmes” e “Le Core” – voci indisciplinate. Nel 2009 fonda il progetto musicale cantautorale “La Metralli”. Dal 2014 fa parte del “Collettivo Amigdala” che produce opere performative in cui forte è la presenza musicale e vocale e con cui collabora come compositrice e alla direzione musicale del Festival Periferico di Arti performative. Dal 2017 fa parte come cantante e musicista del progetto di musica elettronica e di improvvisazione estemporanea “DUEVENTI”.

Lo spettacolo più autentico.

L’arte di strada è la magia di una persona che sputa fuoco in mezzo a una piazza, attorno alla quale si radunano bambini e adulti con gli occhi pieni di incanto e la bocca spalancata per lo stupore. L’artista di strada brilla tra i passanti che vanno e vengono, come una lucciola nel buio di un bosco attira l’attenzione di tutti gli altri su di sé. Nella Giornata internazionale della giocoleria abbiamo intervistato il millennial Riccardo Strano per parlare dell’arte di brillare tra i passanti.

Ciao Riccardo, raccontaci il tuo lavoro con un aneddoto?

Forse era appena iniziato il nuovo millennio e mi trovato in una piccola città. Appena arrivato all’ingresso del paese la polizia mi ha fermato e non capiva cosa fossero tutte quelle valigie strane nel bagagliaio della mia auto ma soprattutto non capiva cosa ci facessi con un enorme bidone, anche se cercavo di spiegare che era tutto materiale per il mio spettacolo non erano convinti e continuavano a rovistare dentro le mie valigie e tra le miriadi di oggetti che c’erano dentro. Il giorno dopo, in piazza, i poliziotti erano tutti lì con i loro figli a guardare lo spettacolo e rimasero folgorati non tanto dallo spettacolo ma quanto dal fatto che mi avevano conosciuto prima e avevano potuto ‘studiare’ tutto ciò che usavo per lo spettacolo.

E quindi, stavolta didascalico, che lavoro fai?

Il lavoro che per farlo ogni volta devi sempre imparare. Sempre qualcosa di nuovo: l’artista.

Come si diventa quello che sei professionalmente? Basta la sola passione?

La passione ti dà la costanza e la tenacia per andare sempre avanti, ma devi formarti in scuole specializzate e seguire professionisti che possano darti quello che cerchi. È un lavoro dove devi imparare a fare tante cose. Non bastano le sole acrobazie ma devi saper scrivere un progetto, amministrare te stesso e il tuo lavoro. Devi sempre accettare che non dovrai smettere di imparare qualcosa ed essere in una sorta di formazione permanente.

Oggi è la Giornata mondiale della giocoleria, spiegaci il senso?

La ricorrenza è stata creata per ricordare l’anniversario della fondazione dell’International Jugglers Association, l’organizzazione di circo no profit più antica e più grande del mondo. Il senso della giornata, in fondo è uno, avvicinare le persone a questo mondo meraviglioso e promuovere il nostro lavoro.

Quanto il lavoro del circense e delle arti di strada è valorizzato in Italia?

Potrebbe essere valorizzato di più perché il patrimonio architettonico dell’Italia è unico in tutto il mondo e l’arte di strada riesce a spettacolarizzare ogni piazza e luogo del nostro Paese ma soprattutto ha la forza di ridarci quella socialità ormai persa. Negli ultimi 20 anni sono stati fatti enormi passi avanti. Il circo contemporaneo e il teatro di strada fanno sempre più parte della nostra cultura e anche se ancora non è pienamente riconosciuta al pari delle altre arti abbiamo intrapreso quella strada, ricevendo sempre più attenzione.

Raccontaci della tua carriera? 

Ho studiato teatro, danza classica e contemporanea con personalità di spicco italiane e francesi. Mi sono formato presso la FLIC Scuola di Arti Circensi di Torino. Prima di frequentare la scuola torinese ho approfondito lo studio delle arti sceniche sui libri universitari. Mi sono laureato nella facoltà di Lettere e Filosofia al Dipartimento Spettacolo, all’Università di Catania. E poi diplomato in drammaturgia del circo contemporaneo presso CNAC, Centre National des Arts du Cirque Châlons-en-Champagne, Francia e presso ESAC, Ecole Superieure des Arts du Cirque di Bruxelles, Belgio. Sono stato consigliere della Federazione Nazionale Arte di Strada in rappresentanza degli artisti di strada italiani presso le istituzioni e vicepresidente dell’Associazione Italiana Circo Contemporaneo in rappresentanza degli artisti di circo.

E i tuoi spettacoli?

Ho lavorato nei più importanti festival italiani di circo contemporaneo e arte di strada. “Qualcosa di Strano”, un mio spettacolo, è arrivato a 500 repliche. Attualmente sono direttore artistico della compagnia OnArts e di svariati festival e eventi come “Etna Buskers”, “Notte Bianca di Messina”, “OltreNoto” (svolto nella cittadina barocca patrimonio dell’Unesco) e “Muja Buskers Festival”.

Siete tra i più penalizzati dalla pandemia. Come hai vissuto e come sei sopravvissuto a questo periodo? C’è stato un qualche sostegno economico statale?

Sì, con mio stupore lo Stato ha sostenuto tutti gli artisti indiscriminatamente dalla loro disciplina e gli aiuti ci sono stati e continuano a esserci. L’ho vissuta bene sia perché mi è nata una figlia in questo periodo di lockdown e chiusure sia perché ho trovato tantissimo tempo per studiare e imparare a fare cose nuove – di qualsiasi tipo – che per creare gli spettacoli sono competenze necessarie.

Ora finalmente le cose sembrano poter cambiare. I festival stanno ripartendo? Come vi state organizzando voi busker?

I festival stanno ripartendo con nuove formule di svolgimento. Si stanno dilungando nel tempo più che concentrarsi in pochi giorni. Noi ci stiamo adeguando a tutte le normative sulla sicurezza e siamo più attenti al pubblico che incontreremo perché adesso abbiamo tutti una narrazione comune che ci unisce e per questo cerchiamo di essere più sensibili all’altro.

Hai fiducia nel futuro?

Sì, ho molta fiducia perché la pandemia ha fatto notare sempre di più tutte le problematiche connesse al nostro lavoro e sembra che così le cose stanno cambiando. Finalmente si iniziano a risolvere problematiche irrisolte da oltre 15 anni.

Per esempio?

Per esempio, la necessità che a livello normativo ci sia un adeguamento maggiore alle tempistiche e dinamiche del nostro lavoro. Il sistema pensionistico, la saltuarietà, la dinamicità e la diversità per tempi e modi della nostra occupazione. Adesso vengono più ascoltati e soprattutto capiti.

Quanto consiglieresti ai giovani giocolieri di continuare su questa strada e quanto no?

Lo consiglierei nella misura in cui si ha la consapevolezza che bisogna per forza guardare all’Europa come mercato di lavoro. Ed essere ben coscienti che la competizione è sempre più globale e quindi spietata e inarrestabile. Oggi bisogna avere tanta forza di volontà e rimanere sempre aggiornati sulle evoluzioni artistiche e culturali.

Consigli.

Se ti è piaciuto “Volevo Nascondermi”, il film biografico su Antonio Ligabue, interpretato dallo strabiliante Elio Germano, allora abbiamo altri 10 film sulla vita di pittori da consigliarti.

1. I colori dell’Anima – Modigliani

Titolo originale: Modigliani | Regia: Mick Davis | 2004

Amedeo Modigliani, storico rivale di Picasso, viene inscenato nel suo ultimo, drammatico, anno di vita. Forse l’arte emerge poco rispetto ai suoi problemi con l’alcol, l’amore e la salute eppure è un personaggio da conoscere. Il titolo italiano non può che essere più evocativo di così.

2. Basquiat – Jean-Michel Basquiat

Regia: Julian Schnabel | 1996

Altro dramma del mondo dell’arte questa volta più vicino a noi. L’artista che squattrinato raggiungerà la fama internazionale senza però scrollarsi via la dipendenza dalla droga insieme alla povertà. Ci sono squarci della New York della Factory e viene ritratto un Basquiat molto umano e poco stereotipato, dipinto con gli occhi soggettivi del regista che gli rende omaggio.

3. Frida – Frida Kahlo 

Regia: Julie Taymor | 2002

Altra relazione amorosa burrascosa, con un grande della storia dell’arte, Diego Rivera. Le scene nascono dai suoi dipinti, scelta molto interessante che ci avvicina indiscutibilmente alle sue opere.

4. Artemisia – Passione estrema

Regia: Agnès Merlet | 1997

Ambientato a Roma nel 1610. Già perché le donne nell’arte esistevano anche prima di Frida, anche in Italia.

In questa sede va anche citato ad onor del vero anche Séraphine, del 2008, diretto da Martin Provost. Il film è incentrato sulla vita di Séraphine de Senlis pittrice naïf francese vissuta a cavallo tra il diciannovesimo e il ventesimo secolo.

5. Gauguin – Viaggio a Tahiti

Titolo originale: Gauguin – Voyage de Tahiti | Regia: Edouard Deluc | 2017

Gauguin ha avuto sicuramente una vita avvincente, ha convissuto con Van Gogh, è stato allievo di Pizarro.

Di episodi da raccontare ce ne sarebbero molteplici ma il Gaugin portato al cinema. Interpretato fa Vincent Casse, narra il primo periodo a Tahiti. Un periodo economicamente disperato (come tanti nella sua vita) lontano da amici e parenti ma incredibilmente prolifico, artisticamente parlando.

6. Loving Vincent – Vincent Van Gogh

Regia: Dorota Kobiela e Hugh Welchman | 2017

Contemporaneo e amico di Gauguin, l’immortale Van Gogh è stato presentato più volte al cinema, noi vi proponiamo l’opera più recente. Non propriamente un film biografico, innanzitutto si tratta di un film di animazione, dove i migliaia di  frame sono stati disegnati da artisti di tutto il mondo. In secondo luogo è una sorta di “giallo” in cui si scava intorno alla morte del pittore ripercorrendo però alcuni passaggi della sua vita. 

7. Lautrec – Henri de Toulouse-Lautrec

Regia: Roger Planchon | 1998

Anche questa volta viene narrata la malattia dell’artista. Come se la caducità fisica dei pittori sia in relazione con l’immortalità delle loro opere.

8. Cézanne et moi

Regia: Danièle Thompson | 2016

L’amicizia di Emile Zolà con Cézanne portata su schermo, nonostante abbiano origini sociali diverse si ritrovano insieme a perseguire l’arte ognuno con i propri mezzi.

9. Egon Schiele

Titolo originale: Egon Schiele: Tod und Mädchen | Regia: Dieter Berner | 2016

Uno spaccato dei primi anni del 900, una pellicola romantica e strettamente biografica ma non per questo meno interessante.

10. Volevo nascondermi – Antonio Ligabue

Regia: Giorgio Diritti | 2020

Sì, perché di film da consigliarvi ce ne sarebbero ancora tanti Turner, Klimt, il film su Vermer, La ragazza con l’orecchino di perla (2003), solo per parlare dei più recenti.

Però a volte è meglio rivedere un film per apprezzarlo a pieno, per questo abbiamo inserito anche Volevo nascondermi. Un film tutto italiano di cui dobbiamo andare fieri. Rivederlo per apprezzarne ogni possibile sfumatura.

Sei indeciso sul film da guardare? Fortunatamente per te c’è The Millennial Watch, seleziona i parametri e scegli casualmente il film o la serie da guardare questa sera.

Con un segno impresso nella pelle della natura, l’uomo dichiara la sua presenza. La pelle si rigenera e quel segno è destinato a trasformarsi o a sparire come se non fosse appartenuto a nessuno o fosse di tutti.

La natura, tema preferito tra i giovani nell’arte, genera e rigenera, e il tocco umano non scalfisce la fisiologica consapevolezza d’essere tronco, foglia , vita anche nelle più estreme trasformazioni. La natura è identità certa, l’uomo la costruisce attraverso un complesso groviglio di sistemi. Nell’affermazione della reciproca identità sta la connessione perfetta.

La prima mostra personale di Marco Sorgato che si apre il 20 maggio allo Scalo Lambrate racconta quindi dell’incontro particolare tra queste due identità e di come queste possono mantenere la loro integrità in un sistema complesso di sinapsi vitali.

Una delle opere di Marco Sorgato in mostra a Scalo Lambrate

I Tatuaggi possono sfociare nell’arte?

Marco Sorgato è uno dei giovani artisti millennial che spazia dalla musica underground ai tatuaggi, fino ad arrivare all’arte visuale indagando il rapporto Uomo – Natura in questo particolare momento storico. La scrittura è il medium prescelto per operare questa sopraffazione in piccola scala. Le piante, simbolo della Natura, sono invece l’apparente “parte lesa”. L’artista agisce su di esse scrivendo con una bomboletta spray, con un gesto veloce e invasivo che simboleggia la brutalità del gesto dell’uomo contemporaneo.

Disintegration-IO, la prima mostra personale di Marco Sorgato

La mostra è articolata in tre serie di opere d’arte.

Le De-Composizioni sono le installazioni più estetiche, dove l’artista interviene direttamente con segni grafici sulle foglie secche e/o stabilizzate dopo le operazioni di sopraffazione con bombolette ed inchiostri. Il Diario della Sopraffazione invece utilizza teche entomologiche per fissare la caduta delle foglie dopo la propria azione-sopraffazione. Infine, in Dead Chips, le foglie raccolte ed essiccate al termine della manipolazione artistica, sono confezionate all’interno di pacchetti di patatine. Questa dicotomia mette in evidenza il contrasto tra la natura priva di vita e le chips come icona pop e viene messa in evidenza nelle diverse opere d’arte dell’artista.

Marco Sorgato ci invita a riflettere sulle conseguenze estreme che possono procurare le nostre azioni più banali e consuete, in primis sulla natura. 

Dead Chips: una delle opere di Marco Sorgato in mostra a Scalo Lambrate

L’ascesa di Scalo Lambrate

La mostra è la seconda a Scalo Lambrate, progetto di rigenerazione urbana nato dalla collaborazione tra Associazione Formidabile, Municipio 3, The Sanctuary Eco Retreat ed FS Sistemi Urbani. Scalo che vede aprire i suoi suggestivi spazi a una  nuova esposizione artistica. Dopo quella di Fabrizio Spucches è ora la volta della prima mostra personale di Marco Sorgato organizzata dall’Associazione Formidabile curata da Nicola Ballario sotto l’ottima direzione artistica di Umberto Cofini.

Chi è Marco Sorgato

Nato a Padova, classe 1992, si laurea in Storia e Tutela del Beni Culturali. Si è approcciato all’arte contemporanea nel 2020 in modo spontaneo. La sua professionalità è eclettica e multidisciplinare. Infatti, dal 2013 Marco Sorgato è attivo nel panorama underground musicale italiano come promoter di concerti e festival, fondatore dell’etichetta discografica Dischi Sotterranei.

Contemporaneamente nel 2016 inizia a tatuare, prima con la tecnica “hand-poke” e poi con la più tradizionale macchinetta. Nel 2019 conia il termine “Lettering Culture”, dicitura che utilizza per descrivere il suo stile molto personale di tatuaggi, basati principalmente sulla scrittura. Grazie a questo collabora con i migliori studi di tatuatori europei.

Marco Sorgato si approccia alle differenti discipline artistiche con primitivismo tecnico. Osserva, sperimenta, medita, costruisce e poi traduce in opere d’arte, siano esse su pelle o in musica, o trasposte in natura.

Disintegration-IO

Mostra personale di Marco Sorgato

A cura di Nicolas Ballario

Direzione artistica di Umberto Cofini

Scalo Lambrate | Via Pietro Andrea Saccardo 12 | Milano

Dal 20 maggio al 13 giugno

Aperta tutti i giorni dalle ore 10:30 alle 19:00 | ingresso libero senza prenotazione

Inaugurazione su invito mercoledì 19 maggio dalle ore 11:00 alle 19:30

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Un’esposizione di Crypto-Art nel “pantheon” digitale MetaVanity. Il progetto di Vanity Fair va al di là degli stereotipi e accoglie la modernità in ogni sua forma. Parola d’ordine: esperienza.

Un metaverso per Vanity Fair

Secondo Simone Marchetti, direttore di Vanity Fair Italia, il metaverso rappresenta una nuova frontiera: non sostituirà di certo la realtà a cui siamo abituati, ma ne proporrà una completamente diversa. Proprio per questo anche il mondo editoriale, quello dell’arte e della moda sono tenuti a debuttare nell’universo virtuale esplorandolo, occupandolo e dando vita a nuovi orizzonti esperienziali.

In occasione della Biennale dell’Arte 2022 a Venezia Vanity Fair ha presentato proprio MetaVanity, lo spazio espositivo virtuale realizzato in collaborazione con la start-up digitale Valuart.

Cos’è MetaVanity?

La struttura è ispirata al Pantheon: un grande spazio centrale dall’atmosfera solenne da cui si diramano 12 stanze, ognuna delle quali fa da setting a mostre collettive, esposizioni personali e progetti speciali. Sono 19 gli artisti internazionali le cui opere popolano il museo virtuale. Alcuni nomi: Skygolpe, Luna Ikuta, Max Papeschi, Federico Clapis, Vhils, Kyle Kemink e molti altri. Come ammirarle? Ci si può immergere nell’esperienza del MetaVanity con visori VR o con l’apposita applicazione Hadem.

Perché MetaVanity?

MetaVanity nasce per creare un nuovo concetto di esplorazione dell’arte. Attraverso la realtà aumentata viviamo interattivamente le opere, possiamo attraversarle, toccarle, scomporle. Per i più visionari e lungimiranti, nell’esperire in prima persona l’arte digitale si giunge alla sua sublimazione. Nell’era del Web3, della Crypto-Art, degli NFT e della tecnologia Blockchain questo è possibile.

Una domanda sorge spontanea: si tratta di “mera” computer graphic? Tutt’altro. Si è trattato di un processo di “haute couture” del web, spiega Simone Marchetti. MetaVanity è stato costruito mattone per mattone, è un prodotto artigianale che acquisisce grande valore per la minuzia con cui è stato realizzato in ogni suo dettaglio.

La filosofia nel metaverso di Vanity Fair

MetaVanity è stato concepito come un mondo in cui «gli investitori sono amici dei creativi» dice il co-fondatore di Valuart Etan Genini: «È la prima volta in cui considero uno smartphone uno strumento positivo».

Lo spirito iniziale era da mecenati più che da businessmen, spiega ancora una volta Simone Marchetti. Ma il direttore ci tiene a precisare un aspetto imprescindibile del progetto e del suo percorso futuro: sebbene al momento non siano presenti brand di alcun genere in MetaVanity, questo non implica che non parteciperanno in futuro.

Il Metaverso di Vanity Fair è un territorio libero che non si lascia sovrastare da stereotipi, dove non esistono forme d’arte migliori di altre. Non è l’assenza dei brand che rende l’arte più pura. MetaVanity sarà un luogo dove arte, cultura ed eccellenze italiane coesisteranno e si completeranno.

Riscoprire l’arte attraverso gli Hotel.

Com’era il detto? Impara l’arte e mettila da parte! Esatto, ma in questo caso però il proverbio non vale perché l’arte la fa da padrone. È il caso degli alberghi che ormai sempre più si stanno ri-modernizzando inserendo opere d’arte come fotografie, sculture, tele ed installazioni sia temporanee sia fisse, all’interno delle proprie stanze e sale d’attesa.

Questo tipo di attrattività è già presente in America da diverso tempo e finalmente è arrivata anche nel nostro paese. È doveroso ricordare, inoltre, che ormai queste strutture chiamate anche Art-Hotel, si affidano sempre più a curatori, architetti e designer per essere pubblicizzati e per rendere questi alberghi ancora più attraenti, oltre a essere anche un trampolino di lancio per artisti emergenti e affermati.

Diventare un possibile acquirente sorseggiando un caffè?

Sarà una questione di business, di maggiore attrattiva per il cliente, sta di fatto che l’arte attrae l’occhio umano e invoglia la persona a guardarla anche solo per un istante tanto da diventare praticamente indispensabile. Ed ecco perché riposare in una camera d’albergo con accanto un Warhol o altre opere può rilassare ulteriormente l’ospite oltre ad abbellire e rendere più confortevole l’ambiente.

E quindi chi non vorrebbe fare una buona e sana colazione davanti alla vista di questi lavori artistici? Per di più senza la presenza di tutte quelle persone accalcate che si possono trovare sicuramente in un museo. E volendo, una volta bevuto un buon caffè, si può decidere anche di acquistare l’opera proprio perché spesso sono in vendita. Ecco quindi, per tutti gli appassionati e non, una selezione di 5 Art-Hotel che possono fare al caso.

Cinque Art Hotel in Italia che vi consigliamo

• NYX Hotel, Milano

Questo Art Hotel si trova a due passi dalla Stazione Centrale di Milano, nodo strategico di passaggio grazie alla numerosa presenza di persone che arrivano nel capoluogo milanese. La caratteristica principale del NYX Hotel è la quantità di opere di street art presenti che donano un forte impatto sul visitatore o ospite. Inoltre gli spazi interni presentano un design contemporaneo e appunto urbano contraddistinto dalle opere di questi artisti. Hotel, quindi, in cui vale la pena soggiornare per rimanere avvolti dalla street art, una nuova forma di arte moderna.

• Residence Duparc, Torino

In prossimità del Parco del Valentino, dove risiede anche la Facoltà di Architettura, trova posto questo elegante e raffinato residence a 4 stelle dal gusto artistico. Il quartiere dove risiede il Duparc è San Salvario, caratterizzato in particolare dalla presenza di millennial in quanto offre diverse vie con locali, musei e negozi adatti per questa generazione. Ospita una collezione d’arte contemporanea di artisti italiani tra cui Michelangelo Pistoletto oltre ad altri servizi come ristorante e centro benessere.

• Byblos Art Hotel, Verona

Meraviglioso albergo realizzato da Dino Facchini, ovvero il proprietario del famoso marchio di moda Byblos. Situato in un grande parco a due passi dalla città di Romeo e Giulietta, questo Art Hotel ospita gallerie d’arte contemporanea permanenti. Non a caso gli artisti che espongono le proprie opere, come il famoso giapponese Takashi Murakami, sono stati ispirati dalla visita di questa villa veneta del XVI secolo trasformata appunto in albergo-galleria. Sarà forse un caso che gli artisti, i quali si innamorano di questa struttura, si trovino proprio nella città dell’amore?

• Gallery Hotel, Firenze

Situata nelle vicinanze di Ponte Vecchio, nel cuore del capoluogo toscano, questa boutique hotel di 4 stelle, di proprietà della famiglia Ferragamo -nota casa di moda italiana- ospita al suo interno mostre di fotografia e di arte contemporanea. Inoltre è presente un rooftop con bar e ristorante che permette di beneficiare della vista sulla città.

• Rome Cavalieri, Roma

Chi visita la capitale non può non passare almeno una volta per questo elegante hotel situato sulla collina di Monte Mario a pochi passi dal centro della città eterna. Contiene al suo interno una grande vastità di collezioni di opere d’arte quali un trittico di Gian Battista Tiepolo del 1725, i famosi “Dollar Sign” di Andy Warhol ma anche una serie di mobili preziosi risalenti al periodo francese di Luigi XV. Inoltre, perché non fermarsi a degustare le prelibatezze del ristorante La Pergola classificato tre stelle Michelin.

Ecco perché, forse, imparare l’arte serve davvero anziché metterla da parte.

“Design off-line” a Scalo Lambrate : un luogo e una mostra per ripensare nuovi mondi.

In un anno fatto di grandi difficoltà, in cui il mondo sembra aver premuto sul tasto “pausa”, ciò che sembra aver subito un grosso e brusco stop è il mondo della cultura. Da un anno a questa parte, il mondo dei teatri, delle attività culturali e dei musei, ha dovuto da un giorno all’altro prepararsi ad attutire il grosso colpo delle chiusure e delle restrizioni.

Diciamo spesso che la cultura è il fiore all’occhiello del nostro paese: l’Italia è stata innegabilmente patria di grandissimi artisti, e soprattutto, il luogo in cui continuano a fiorire giovani talenti che hanno voglia di sperimentare e comunicare attraverso la loro arte.

E se, proprio a causa della pandemia, ci siamo riscoperti nostalgici di una serata a teatro, se non vediamo l’ora di poter tornare a stupirci davanti alle opere d’arte di un museo, forse possiamo (ri)cominciare a masticare l’arte con l’esposizione “Design off-line – progetti di un anno di pandemia”, presentata da NABA, Nuova Accademia di Belle Arti e curata da Claudio Larcher, Naba Design Area Leader.

Design off-line – progetti di un anno di pandemia: mostra

Il progetto si inserisce all’interno delle iniziative della Milano Design City 2021, e si tiene nella cornice di Scalo Lambrate dal 12 al 18 aprile 2021. La mostra si propone di restituire, attraverso le opere di giovani progettisti, lo specchio dell’anno appena passato e del complesso presente che si sta affrontando, con un occhio particolare rivolto al contesto urbano.

I temi: soluzioni e riflessioni

Dalle mura domestiche del lockdown, sono germogliati i progetti e le opere dei giovani studenti dell’accademia, portatori di soluzioni, riflessioni e visioni della nuova generazione di cui fanno parte.

Indagando tematiche (ora come non mai) molto attuali, quali l’interazione dell’individuo con lo spazio urbano e il sovrappopolamento, sperimentando le potenzialità espressive di materiali iconici della tradizione italiana, il percorso espositivo di questi progetti disegna un nuovo modo di confrontarsi con il tessuto urbano, esplorando sue possibili declinazioni.

Studenti NABA allo Scalo Lambrate di Milano

Un’esposizione che non potrebbe trovare luogo più coerente se non in Scalo Lambrate, ex deposito ferroviario di inizio Novecento, tornato recentemente a disposizione della città di Milano dopo un lungo restauro di cui la prerogativa numero uno è stata la sostenibilità ambientale.

Per anni luogo abbandonato e ridotto ad uno stato di degrado pressoché totale, è stato completamente riattato e inaugurato il 28 novembre 2020. Ma non è finita qui: allo Scalo è stata restituita una vita del tutto nuova. Il luogo è stato trasformato in un luogo multifunzionale: ospita difatti un mercato sostenibile, un orto in cui vengono coltivati prodotti a KM 0, uno spazio co-working e co-studyng, e soprattutto, un luogo pronto ad ospitare eventi culturali e didattici.

I suoi orizzonti guardano al mondo dell’arte in modo concreto e diretto: 200 mq dei 1500 sono destinati permanentemente alle esposizioni.

Un progetto reso possibile grazie alla collaborazione tra Associazione Formidabile il cui responsabile è Fabio Lucarelli e FS Sistemi Urbani, proprietaria dell’asset, con il patrocinio del Municipio 3. La direzione artistica è affidata a Umberto Cofini che vanta esperienze d’eccellenza nel campo del design e della direzione artistica.

Insieme hanno saputo come rigenerare una zona dismessa e regalare alla città di Milano un nuovo punto e centro di riferimento artistico e urbano, per cogliere il presente e guardare un po’ più in là, verso il futuro.

Come visitare la mostra

• Per visitare la mostra “Design off-line – progetti in un anno di pandemia” è possibile prenotare scrivendo a events@naba.it.
• La visita guidata e gratuita avrà luogo tra le 12.00 e le 18.00.